El pluriempleo alternado con algunos quehaceres académicos me han impedido asomarme más por aquí, pero como buenos desconocidos que son, les puedo prometer sin necesidad de dar explicaciones si no lo hago que volveré, aunque centrando mis esfuerzos en las aventuras y desventuras que voy viviendo en esto del desarrollo profesional de videojuegos. En este enlace hay un listado de todo lo que he realizado en la web antes mencionada. No me azucen con un látigo al comprobar que he escrito en un mes más que en los dos últimos años por aquí. Disfruten y difundan su contenido ahora que pueden si les gusta, y no descarten verme por algún otro sitio en poco tiempo.

No tuve la oportunidad de asistir al evento el año pasado, por lo que no puedo confirmar la presumible evolución que parece haber tenido el certamen en cuanto a organización y calado social. Desde luego, para la conocida franquicia organizadora, esta maniobra es lo mejor que se le ha podido ocurrir de cara a potenciar el embrutecido mercado ibérico y hacer caja de forma magistral, tanto por el cobro de la entrada como por el huracán consumista que suponía la tienda Game instalada en el propio recinto. Aquello parecía el 7 de enero. Eso si, el beneficio también ha recaído sobre el sector a nivel genérico, pues el hecho de que todos los telediarios pongan tres minutos con imágenes del sarao es el mejor método para convencer al pueblo llano de que las maquinitas siguen siendo un divertimento mainstream bien visto por la sociedad y por Pedro Piqueras, lo cual no es moco de pavo estando como están las cosas del montante y viendo como la gente está vendiendo en masa sus Wii en páginas de segunda mano. Pero que quede claro, aquí el negocio lo monta la tienda, no los que crean el producto. Y se nota.

No hay duda de que esto es una feria por y para los jugadores, un hype-o-matic en toda regla para motivar el consumo del medio. Está muy bien y da mucho empaque eso de llevar una acreditación colgada al cuello, pero la única ventaja con respecto al visitante que he tenido durante el fin de semana es el no pagar la entrada y poder saltarme unas cuantas colas para probar algún juego, amén de una sala con mesas y libre acceso a botellines de agua que agradezco bastante. Parece ser que hasta el último mono que la ha solicitado recibió dicha acreditación, véase el que suscribe, y quizás por eso se ha planificado esta pantomima en la que no existe un beneficio aparente más allá de alimentar ese ego superlativo que todo blogger atesora por el mero hecho de considerarse prensa, sea pseudo o no. La interacción directa con los expositores te la debías currar tú, y en la mayoría de los casos los PR y acreditados para esa tarea no estaban muy por la labor, preocupados más en repartir merchandising que otra cosa.

Lo que no es discutible es el disfrute de los asistentes más asilvestrados. La muchachada no paraba de vitorear y hacer alusión al los FPS de rigor, cacareando consignas de excitación como gallinas histriónicas y dispuestos a aguantar colas interminables para ver con sus propios ojos durante unos minutos el motivo fundamental que les hace vivir. Ya sabía lo que iba a encontrar por allí, lo cual como ya digo es muy bueno para la industria en cuanto al eco mediático. Mucha gente disfrazada de personajes digitales algo pasados de rosca volumínica, teens con la testosterona por las nubes y algún que otro sabihondo del mundillo,  todos ellos una constante en saraos juveniles y demás festivales análogos. Al fin y al cabo, ellos son el público objetivo. Las minorías están de más, y por eso no había ni rastro de cualquier desarrollo de repercusión media-baja, y no hablemos de cualquier cosa que huela a Indie. Me resultó enternecedor a la vez que triste que un par de jóvenes aguerridos estaban repartiendo panfletos de su videojuego Awareness en la salida de metro fuera del Ifema, apartados como si fueran Morlocks. En el fondo es lo que somos los que nos alejamos un poco de los patrones establecidos, unos putos mutantes de alcantarilla.

Puede parecer que estoy algo defraudado con la feria. Nada más lejos de la realidad. Les recuerdo que  estamos ante verdadero primer gran evento de estas características en España que se ha asentado con éxito de asistencia y repercusión, prometedora semilla para los años venideros.

El visitante no solo podía probar juegos, estando a su disposición un enorme abanico de conferencias organizadas por el colectivo Gamelab y los adorables perros viejos de RetroMadrid. Allí estuvo Enric Álvarez de Mercury Steam para dejarnos a todos perplejos con su elocuencia y claridad a la hora de hablar de su trabajo como director creativo, sazonado con otras tantas conferencias de pequeños estudios de desarrollo españoles con los que aprender más sobre el funcionamiento interno de la industria. Otras tantas charlas estuvieron centradas en el estado de la industria tanto de décadas pasadas como en la actualidad, de las que pueden leer una agraciada crónica por aquí. El amigo John Tones también estuvo por allí para hablar de sus movidas en Mondo Pixel. La gente de Hobby Consolas cerebró el 20 el aniversario de su revista. Y así podría seguir unos cuantos párrafos más, por lo que como ya digo, el que se aburrió es porque quiso, y en mi caso, fue lo que compensó el hacerme más de 500km en coche.

Volviendo al tema del público objetivo, no había más que mirar la envergadura de los stands para saber por donde iban los tiros. EA, pomposos como sólo ellos saben, levantaron todo un campamento militar allí dentro para presentar Battlefield 3, así como unos unos cuantos coches de gama alta, un dj pinchando música y un manojo de babes en la zona del Need For Speed. Y la gente loca de contenta. En cambio, me tiré un buen rato para encontrar la ÚNICA consola donde había puesta una demo de Mass Effect 3. Y encima las azafatas parecían sacadas de Princesas de barrio. Un poema que se puede extender al resto de distribuidoras, pero que tiene todo el sentido del mundo dado que al fin y al cabo, tanto escaparate, pantallón y monigote tenían como único objetivo que al salir hiciéramos caja en la tienda. O al menos motivarnos para hacerlo durante los próximos días. Y es que un juego descargable no tiene intermediario físico, y eso no se puede concebir.

Y las tres grandes arrasando. Sony tenía el chiringo de más envergadura de todos, con un avión estrellado de cartón piedra y todo. Eso si, luego me voy a probar PS Vita y el sábado a mediodía me comentan que ya se las han llevado y no se mostrarán ni el sábado por la tarde ni el domingo entero. A tomar por culo la bicicleta. Los de Microsoft pues a su rollo, allí con Kinect y eso, si me apuras un poco por detrás de otros expositores. Qué risas con el juego de Star Wars. La zona de Nintendo estaba siempre abarrotada por culpa del nuevo Zelda, todo muy aséptico y blanco, en su línea. Lo que no podían imaginar es que el sábado a última hora, los chicos de El Hombre Linterna durante el memorable concierto que realizaron pusieran el vídeo de doña Sabrina Salerno en nochevieja del 88 en una pantalla gigante del stand. Una teta en Nintendo. Un camello en una farmacia. Sálvese quien pueda.

¿Juegos, dicen? Yo no he ido para eso. Aunque de lo probado me quedo con Rayman Origins, Sonic Generations, Rage y poquito más. Curioso cuanto menos el Neverdead, y el Dark Souls pues nada, que mueres mucho y eso. Vimos alguna cosita del nuevo Hitman, que ahora parece el Arkham Asylum con un señor calvo que se disfraza. Y el nuevo Tomb Raider es el Uncharted con una señora multiorgásmica sonando de fondo. ¿Qué quieren que les diga? Para análisis, preanálisis y preanales ya saben a qué medios acudir.

Como no todo el mundo ha nacido para programar y eso de ser multidisciplinar no es sano para las neuronas, existen un buen puñado de programas que nos resuelven la papelera con frontends y lenguajes simplificados de alto nivel propios de cada entorno que nos ahorran todo el embrollo de la programación y nos lo dejan tan solo como una alternativa si queremos realizar cosas más complejas. El siguiente listado de programas cubren un buen espectro de géneros y son freeware o extremadamente baratos teniendo en cuenta lo que aportan. Hay muchísimos más de los que podéis dejar referencias en los comentarios si los conocéis. Estos son algunos de los más simples y efectivos que servidora ha tenido el gusto de probar. Al lío montepío.

GameMaker:
Tipo de juego: Practicamente cualquiera
Web: http://www.yoyogames.com/
Precio: 25$ (18€) Versión Standard, Freeware versión Lite.
Licencia comercial: Si.
Plataforma: PC, MacOS

Empezaré con lo que considero que debe ser el paso inicial si se quiere realizar alguna cosa de poca envergadura para ir curtiéndose en la materia. Los más viejos del lugar recordarán aquel software llamado Klik & Play con el que podías hacer jueguecillos arcade arrastrando elementos de un lado para otro sin escribir ni una línea de código. GM recupera esa idea y la organiza diseñando un sistema de implementación facilísimo. Léase esto último con su melodía correspondiente.

La estructura de los juegos se organiza por objetos, en los que podremos poner lo que sucede cuando se produce un acontecimiento externo. Se puede por ejemplo desencadenar una serie acciones cuando pulsemos una flecha de dirección, que consistirán en mover dicho objeto hacia donde corresponda con la velocidad y comportamiento que le digamos. Por otro lado, podremos hacer que si dicho objeto colisiona con otro, éste se detenga. Estos comandos tan simples y peregrinos se pueden replicar hacia casi cualquier cosa, por lo que hacer un jueguecillo interesante es coser y cantar.

“GameMaker”

Los juegos que desarrollemos los podemos exportar a un archivo .exe independiente. La resolución, profundidad de color y tipo de representación también puede ser configurada a nuestro gusto. Absolutamente todo es 100% configurable. Además, existe la posibilidad de usar recursos “avanzados” como un curioso lenguaje de programación de alto nivel con el que detallar más el comportamiento de nuestros elementos de juego. Aparte de la documentación oficial, un buen sitio para empezar a ver tutoriales y ejemplos sería en la comunidad hispana de Game Maker. Sin ir más lejos, ellos tienen un pedazo de tutorial en castellano que sirve como base introductoria de forma cojonuda.

Por menos de 20€ tienes la versión completa, que la lite está capada y te pone una marca de agua en los juegos que daña la vista. Recomendadísimo que empecéis con esto, insisto. Mi minijuego de Monkey Island realizado en una tarde es una buena muestra de ello.

Mugen:

Tipo de juego: Lucha
Web:  http://www.elecbyte.com/
Precio: Freeware
Licencia comercial: No.
Plataforma: PC

La gran mayoría lo conoceréis al haber jugado a algún juego que lo utiliza como base. Mugen es un motor para el desarrollo de videojuegos de lucha en 2D. La peculiaridad del sistema es que los usuarios pueden configurarse fácilmente su juego y añadir o quitar luchadores y escenarios en un momento.

“Mugen Character Maker”

Tiene una estructura modular, por lo que si por ejemplo quisiéramos añadir un personaje a nuestro Mugen, lo cogeríamos de la red y lo copiábamos dentro de una carpeta del juego en la que se almacenan, para más tarde modificar un archivo de texto donde se enumera el roster  y añadir una línea con la nueva adquisición. Existen también una serie de programas externos para ayudarnos tanto en la creación de personajes y escenarios como en la configuración del juego en sí. Para crear los movimientos y parámetros de un luchador, Mugen utiliza su propio lenguajillo (si es que se le puede llamar así) con el que especificar animaciones, daños y comportamientos. Es por eso que el uso de algún frontend agiliza bastante esta tarea.

Hay tantos proyectos y juegos realizados en Mugen como flores en el campo. Algunos ejemplos inspiradores podrían ser estos basados en El puño de la estrella del norte, Mortal Kombat, Marvel vs DC ó Saint Seiya, pero como digo, hay cientos y cientos de creadores, proyectos, personajes sueltos y movidas. Un mundo por descubrir, en serio. ¿Nadie recuerda el Dragon Ball Mugen Edition que utilizaba gráficos de los juegos de 16 bits? Forma parte de la historia contemporánea de Internet, ¡Y estaba hecho en Mugen!

Adventure Game Studio:

Tipo de juego: Aventura gráfica
Web: http://www.adventuregamestudio.co.uk/
Precio: Freeware
Licencia comercial: Si, pero con detalles.
Plataforma: PC

¿Y si lo que queremos hacer es una aventura gráfica? Desde luego es el género ideal para demostrar las aptitudes creativas de uno, ya que la historia, los personajes y los diálogos la base en la que se sustenta un juego de estas características. AGS te lleva de la mano en el desarrollo con un sistema de creación muy asequible donde todo es intuitivo, aunque hay que aprender un poco del lenguaje de scripts que utiliza, nada complicado. Aquí tenéis un buen tutorial (Y aquí más documentación) para iniciaros. Igualmente, en la propia web oficial hay enlaces a un montón de creaciones de los usuarios y otros tantos ejemplos para que os pongáis a olisquear.

“Adventure Games Studio”

El cometido de este software es el de la creación de aventuras clásicas al estilo de los 90, con gráficos 2d y un sistema point & click de los de toda la vida. Si buscáis algo fácil para empezar sin tener que comeros el coco con los gráficos, un buen entrenamiento sería realizar realizar un spin off o continuación de alguna aventura conocida. Para empezar de alguna forma, usando el software Lucasripper podréis extraer todos los sprites y escenarios de los viejos juegos de Lucasarts y usarlos en vuestro proyecto. En bandeja que os lo pongo.

Wintermute Engine:

Tipo de juego: Aventura gráfica
Web: http://dead-code.org/home/
Precio: Freeware
Liencia comercial: Si.
Plataforma: PC

Pongo otro creador de aventuras gráficas por ser uno de los géneros predilectos por el diseñador amateur soñador. Wintermute es el paso evolutivo que sigue al AGS. Si bien con este tan solo se podían usar resoluciones de 320×240 y añejadas similares, WE permite resoluciones mayores e incluso utilizar personajes tridimensionales para meterlos en fondos estáticos, estilo Grim Fandango.

Otra de las ventajas es que además de en el PC, las nuevas versiones del software también permites exportar el código para ejecutarlo en Mac OS e incluso en dispositivos iOS, cosa que resulta tentadora hasta cotas demenciales.

OpenBOR:

Tipo de juego: Beat em’ up
Web: http://lavalit.com/
Precio: Open Source
Licencia comercial: No
Plataforma: Cualquiera que se te ocurra

Beats of Rage era un beat em’ up amateur protagonizado por personajes de la saga The King of Fighters que ha acabado convirtiéndose en una plataforma para desarrollar con facilidad juegos de este género por sí misma. No dispone de un configurador visual al estilo de lo que se puede encontrar en Mugen pero la edición de todos los parámetros es fácilmente configurable editando unos archivos de texto con los datos a barajar.

“Golden Axe Myth”

Hay montones de juegos amateurs creados con BOR, como ese reciente remake basado en Golden Axe. Mención especial de Jennifer, un beat em’ up de terror que nos demuestra lo que gana un juego si se es original al plantearlo pero como ya digo, hacer una búsqueda por Google desemboca en encontrarse con decenas de juegos hechos por aficionados.

Rpg Maker:

Tipo de juego: JRPG / Action Rpg
Web: http://www.rpgmakerweb.com/
Precio: 60$ (43€) Versión VX ó IG Maker / 30$ (21€) Versión XP / Version Trial
Licencia comercial: Si
Plataforma: PC

Y acabamos el paseo con el padre de todos los programas de este tipo en cuanto al uso masivo, que no por los resultados obtenibles que dependen más de la inventiva de uno que otra cosa. RPG Maker permite realizar juegos de rol occidental con gráficos old-school y sistemas de combate por turnos (aunque hay métodos para hacer también un action rpg). Su terrible facilidad unido a la cantidad de webs y material de apoyo que existe lo han hecho muy conocido desde que apareció la primera versión hará ya una década.

La gracia del asunto radica también en que además del propio software de desarrollo se incluye un generoso lote de sprites y gráficos para utilizar en nuestras creaciones, por lo que eso unido a la extrema facilidad de uso proporciona resultados al instante. Y ya se sabe como son estas cosas. Si tras 6 horas peleándose con un código lo único que consigues es que el personaje se mueva sin fallos, pues le entra la bajona a uno.

“Rpg Maker Vx”

Además de las versiones XP y VX, sus creadores han sacado el llamado IG Maker, un creador flexible de juegos de cualquier género del que he oído maravillas y tras echar un ojo a su versión trial casi me atrevería a afirmar que mejora al mismísimo Game Maker, la pega es que vale un poquito más caro que este último su versión completa, pero más te gastas en videojuegos perrunos y no tienes tanto remordimiento.

Para echar un ojo a la gran comunidad existente, nada mejor que echar un ojo a Hellsoft, el portal de Rpg Maker más longevo que existe de habla hispana, así como a la comunidad RPG Maker.

He invertido en esa chorrada poco más de una tarde, así que no le pidáis peras al olmo. Mi record está ahora mismo en 6300 puntos. A ver si tenéis pelotas de superarlo, mequetrefes.

DESCARGAR (ENLACE A MEGAUPLOAD)

Sé que me voy a buscar un problema con los abogados de George Lucas, pero qué leches, me gusta el mambo. Espero que os guste el asunto, aunque solo sea por 5 minutos.

Ejerzo de diseñador/creativo en una empresa con cierto renombre que desarrolla videojuegos para plataformas móviles. Ahora mismo estamos volcados en un proyecto para los dispositivos iOS de Apple, y por mucho que me intentara hacer una idea de cómo sería trabajar en algo así, andaba realmente lejos de saber lo complejo que puede llegar a ser. Eso de plantear un videojuego es fácil si se realiza una buena copia de algo que ya existe. El verdadero desafío está en crear algo realmente original que se adapte al público al que pretendemos que vaya dirigido. Una movida que te cagas con un trabajo de documentación y resolución de problemas bastante desquiciante. Y por mucho que me las quiera dar del Miyamoto del sur de Despeñaperros, los quebraderos de cabeza y callejones sin salida que pueden surgir en el proceso tienen tela.

No sería lícito dar detalles en profundidad del proceso de creación o de cómo he llegado a este punto. Basta decir que todos aquellos que me instaban a no tirar la toalla con todo este asunto merecen mis más sinceros agradecimientos.

No voy a decir que a partir de mañana vaya a volver a escribir por aquí pues ya sabes tú cómo es esto. Es como decir que mañana me fumo el último cigarro o que la semana que viene llevo el coche a la revisión, las cosas con calma. Desde luego no hay día que pase en el que no piense en un nuevo artículo o chascarrillo a compartir (mis amiguetes del Twitter o Tumblr bien lo saben) pero la vida aprieta mucho el fistro y el tiempo brilla por su ausencia en esto de sacar adelante una página yo solo a estas alturas de la vida. Independientemente de eso, en poco tiempo os encomendaré a determinados sitios donde voy a colaborar con artículos orientados exclusivamente al tema del desarrollo de juegos y demás tejemanejes de ámbito psicológico a la hora de elaborarlos. Y por supuesto, cuando asome de nuevo los hocicos por aquí os lo haré saber. Abrazos y restregones.

El noveno arte va más allá de tíos en mallas y personajes andróginos con poderes sobrenaturales. Servidor es un ferviente consumidor de tebeos desde su más tierna infancia, por lo que el presente artículo tiene doble función: Presentar unos cuantos cómics que considero piezas de arte que deben ser promovidas para el disfrute de mis lectores, así como mostrar unas cuantas fuentes que bien podrían servir como base para desarrollar unos videojuegos la mar de apañados.

Predicador:

La línea Vértigo de DC Cómics nació como vertiente adulta de la línea editorial, con historias que se alejan de la tónica habitual de tipos superpoderosos en pos del lucimiento de autores que han plasmado allí lo mejor de su obra. Los dos buques insignia en los 90 fueron el sobrevalorado Sandman de Neil Gaiman y esta apocalíptica road movie de Garth Ennis.

El reverendo Jesse Custer es un humilde predicador en Amyville, un pueblucho de la América profunda, que así porque sí se le mete en el cuerpo una criatura celestial fruto de la unión entre un ángel y un demonio. El mismísimo Dios todopoderoso se acojona ante lo sucedido y decide abandonar su trono en los cielos desterrándose a sí mismo al mundo. Jesse, un tipo duro de esos que fuma Marllboro y se toma sus lingotazos on the Rocks decide rendir cuentas con el todopoderoso por abandonar su creación, y decide recorrer los Estados unidos para rendir cuentas con él por cagueta. En su recorrido le acompaña su exnovia y un vampiro irlandés que le gusta más un cubata que a un tonto un lápiz. Y poco más.

Tarantinera como pocas, Predicador es algo así como una lectura de váter para adultos, algo así como leer El Jueves: Te ríes con las borricadas, pero tampoco te emociona, lo cual es más que suficiente para servir de plantilla para un beat em up de camorra pura y dura. A lo largo de los 66 números de los que consta la obra, el párroco se desfoga con todo el que pilla, sucediéndose las peleas en bares de carretera y las escaramuzas con otros tantos desviaos que se le cruzan por el camino. El carisma de los personajes, unido a una violencia gutural podrían dar como resultado un “avanza y machaca” con el suficiente atractivo argumental para estos menesteres. Y no tanto Scott Pilgrim y su puta madre, que la gente se emociona con nada si les tocas la vena sensiblona.

El Incal:

Cualquiera que vea una entrevista a Alejandro Jodorowski se da cuenta de que este seño o es un puto genio o está como una regadera. Este guionista, pensador y psicomago creó junto al totémico dibujante Moebius la mayor space ópera que ha parido el mundo de la historieta. Los más pequeñuelos no recordarán esos tebeos de la línea Metal Hurlant que intercalaban tetas y alta tecnología, y que iban cogidos de la mano del movimiento technovisual ochoentero del Vívora, ‘Eavy Metal y todas esas movidas que ya solo se recuerdan por los dibujos de Luis Royo.

John Difool es un policía putero en un universo cyberpunk que se ve envuelto en una aventura de proporciones cósmicas y trascendentales que ya quisiera Sephirot para sus tejemanejes. El vacío, el huevo de la vida o el Tecnopapa son algunos de los sugerentes nombres que hacen tener una idea de la trascendencia que intenta abarcar esta obra. Dada la progresión argumental entre la insignificancia de un indivíduo y su aventura por intentar salvar a la humanidad, tendríamos como resultado un rpg oriental de los que ya no se hacen. Vale que choca un poco mezclar un desarrollo pajillero como es el de los juegos de rol del país del sol naciente con la suntuosidad cómic europeo, pero qué puñetas, aquí se viene a divagar y no a soltar coherencias.

Dylan Dog:

Cuando uno piensa en tebeos italianos, irremediablemente se te viene a la cabeza Milo Manara, tetas y culos por doquier. Aun así, algunos casos aislados como este, hacen que uno no haga ascos a anda y abra su mente hacia campos que en un principio podrían parecer yermos. Dylan Dog es un investigador de lo paranormal algo gambitero que resuelve misterios al más puro estilo Scooby Doo ayudado por su ayudante Groucho Marx. Sí, el mismo que viste y calza, solo que como si de un elseworld cualquiera se tratase, tras su paso por el mundo del cine decidió seguir su carrera como investigador privado.

Me doy cuenta de que cada vez que introduzco en un párrafo la sinopsis de cada cómic os podéis preguntar qué cojones leo y qué puñetas tengo como preferencias. He plagado el artículo de documentación adicional en forma de enlaces, por lo que si realmente confiáis en las humildes preferencias ociosas de un servidor, os intereséis por estas obras si no las conocéis.

El caso es que las historias autoconclusivas de Dylan Dog son perfectamente imaginables como un survival horror con todas las de la ley. Dylan, además de un tipo muy listo bastante cercano al perfil de Sherlock Holmes en cuanto a prepotencia y capacidad deductiva, es un personaje interesantísimo que toca el clarinete para relajarse, se cepilla a una atractiva señorita en cada aventura y tiene una lengua afiladísima, lo cual ya hace que supere a Snakes, Reidfields y demás peones de chichinabo que suelen acabar como ídolos de masas casi sin esfuerzo.

Para los más listos de la sala, mencionar que ya existe por ahí un videojuego que lo tiene por protagonista para ordenadores de ocho bits, pero la cosa no quedaba más que en una aventurilla arcade simplona que por obvias razones ha caído en el olvido.

Akira:

Palabras mayores. Otomo sí que es un buen mangaka de los que ya no hay, cuando los tebeos que le molaban a la gente estaban realizados por Shirow, Katsura y esos artistazos que hicieron que el manga tuviera calado universal. No como ahora, con tanta gotita en la frente y tanto fanservice facilón, que no es más que una tendencia al servicio del culto a la paja que practica el japonés medio desde hace décadas.

En este caso, me permito el lujo de evitar una sinopsis argumental al haber visualizado todos al menos el anime basado en la obra original, que adquirimos a mediados de la década pasada en un pack junto a Ninja Scroll en los kioscos. El problema de conocer la historia tan solo por su vertiente animada es que se pierden dos tercios del desarrollo completo, ya que tras el bombazo en el que neo Tokio se va a hacer puñetas al final de la película se cuenta mucho más en una ciudad devastada donde las distintas bandas se pelean por subsistir, lo cual sería un ideal planteamiento para realizar un majestuoso sandbox con gran protagonismo de combates motorizados.

Como el icono cultural que es Akira, me extraña que tan solo haya parido la industria un juego de pinball y algunas máquinas de pachinko basadas en él, lo cual podría tener cierto sentido por el hecho de que el incomprensible juego este de las bolitas es el equivalente patrio a la petanca o el dominó. ¿Se imaginan un PC-Mus con el trasfondo de yo que sé, El capitán trueno? Costumbrismo en estado puro.

Transmetropolitan:

Finiquito este batiburrillo conceptual con la obra que considero más definitoria en lo que a la repercusión intelectual hacia mi persona se refiere. También perteneciente a la línea Vértigo (Aunque nacida bajo el difunto sello Helix), las andanzas del reportero Spider Jerusalem son el summun de la representación agorera del futuro tecnológico así como la mayor crítica social que se ha realizado en tebeo a todos los niveles. Warren Ellis es un brillante y cabroncete escritor cuyo historial literario deja patidifuso al que se interesa por él, siendo por ejemplo el creador de The Authority, que redefinió el género de los superhéroes hacia esos patrones cuasi cinematográficos que Joe Quesada y compañía llevan realizando en la actualidad en sus tebeos.

Cyberpunk extremo es lo que define a la serie. Dispensadores de comida adictos a drogas de diseño, una ciudad donde se crea una nueva religión cada minuto y una sociedad desfigurada y manipulada por gobiernos corruptos que hacen temblar al futurólogo más tremendista. Eso y mucho más es Transmetropolitan.

Una obra que se sustenta en unos diálogos que aún haciendo una década que comencé a leer, sigo recordando por su brillantez e irreverencia. Frases como “No te puedes fiar de algo que sangra cinco días y no se muere” son más que definitorias.

Un tebeo de este calibre no podría desarrollarse si no fuera como una aventura gráfica. Pocos personajes me han calado tan hondo como Spider Jerusalem y sus dos ayudantes. Personajes que si fueran plasmados en otro medio serían poco menos que iconos mediáticos de esos que te hacen ponerte un poster suyo en el dormitorio o comprarte una chapa para poner en tu riñonera, lo cual me hace pensar que tarde o temprano la industria recurrirá a estas fuentes para alimentarse, ya que las ideas se van agotando, y aunque ya se ha explotado algun que otro filón como las obras de Frank Miller queda mucho recorrido por recorrer.

Y veremos si el cine no se adelanta, pero dada la vaciedad craneal de los productores de Hollywood, prefiero que no sea así por su propensión a desgraciar grandes personajes e historias de otros medios. Al menos la industria del videojuego sigue siendo un medio floreciente por mucho que el graphicwhorismo y la casualización empañen estos últimos años. Hay que tener fe.

Por motivos que no vienen al caso he realizado una pequeña animación artesanal de un señor corriendo, y he pensado en compartir con vosotros mis humildes conocimientos en la materia para que respetéis a esos artistas de la baja resolución y os compadezcáis de esos problemas de túnel carpiano que han afectado a tantos animadores en su agotador cometido..

No hace falta ser un artista del copón ni un dibujante nato para embarcarnos en estas historias. Un poco de sentido común y algo de inventiva, amén de una paciencia de santo, son las pocas herramientas que vamos a necesitar para realizar unos monigotes dignos. Hago especial hincapié en lo de la paciencia. Realizar varios fotogramas y encadenarlos de forma coherente pintando contornos prácticamente píxel a píxel no está al alcance de todo el mundo. Siempre hay triquiñuelas para agilizar un poco algunas tareas repetitivas usando trozos de sprites de aquí y allá o utilizando referencias de otros trabajos, pero el concepto de “frankensprite” que cuño propio lo dejo para otro momento.

En mi caso, he realizado una animación de un monigote corriendo. Lo primero que hemos de tener en cuenta es la resolución a la que pretendemos hacerlo. Es un verdadero arte lograr que con unos pocos píxeles se puedan reconocer los pequeños detalles del cuerpo, cosa que se consigue con la práctica a la hora de realizar los coloreados y sombreados. Unos 50 píxeles de alto es lo que he calculado de altura, o lo que es lo mismo, algo relativamente pequeñajo aunque manejable, como la minga de un chimpancé. Para que hagáis el cálculo, por ejemplo la altura de Ryu en el Street Fighter Alpha es de unos 75 más o menos.

El esbozo:

Si poseéis una tableta gráfica, la suficiente visión de conjunto, o simplemente lo que tenéis entre manos es una animación muy básica, podéis saltaros este paso. He dibujado sobre papel los frames que he considerado necesarios para que la animación sea medianamente fluida, lo cual determinará en gran medida la calidad del acabado final y una aceptable sensación de movimiento. No es lo mismo ver correr a Megaman en la Nes que a Alucard en Symphony of the Night, por decir algo, aunque aquí la cosa va más por las necesidades de cada plataforma en concreto más que otra cosa, pero ya me entendéis.

Con seis fotogramas va que chuta la cosa. Más adelante veréis que han acabado siendo ocho, pero esos dos de más no son más que mínimas modificaciones en los ya realizados. Tened en cuenta que en el primer boceto no vamos a aplicar apenas detalle, por lo que no hace falta esmerarse. Sin ir más lejos, he obviado directamente el hacer la cabeza ya que esta se la pongo a posteriori, ya que no la modifico durante toda la animación y no es más que un copypaste del mismo. Tan poco detalle hace falta, que me ha bastado con pasar al ordenador la imagen haciéndole una foto con el móvil. No es necesario más, pues su única función es la de servir de plantilla orientativa. Tenía un amiguete que se hacía la picha un lío con el tema de representar movimientos humanos medianamente realistas y se compró un maniquí de madera de estos que cuando los ves no puedes evitar ponerles los brazos haciendo un corte de manga. Pues con eso el tío hacía maravillas. Y si tampoco os vale, os ponéis delante de un espejo y os ponéis a haceros fotos a vosotros mismos como un gilipollas haciendo por partes el movimiento que necesitéis. Y luego las subís al Tuenti.

Contornos:

Por poder usar, os sirve hasta el Paint, pero como uno es casposo hasta cierto punto, he utilizado el auténtico y genuino Photoshop 7. Ediciones posteriores tan solo tienen añadidos que no me sirven para nada en este campo concreto, además que me dan fallos al emularlos en Linux. Decid no al Gimp amigos, no necesitáis pasar ese mal trago de usabilidad nula en un programa.

Doy por sentado que tenéis unos mínimos conocimientos sobre el uso de capas y tal. Para pintorrajear, se usa la herramienta lápiz a un pixel de tamaño, y el bote de pintura para rellenar huecos. Sanseacabó, a lo sumo, en las opciones de herramientas cambiad el tipo de entrelazado al redimensionar imágenes del modo bilineal a aproximación rápida para que los dibujos no se difuminen y jodan la marrana.

Una vez introducida la imagen anterior y redimensionada a un tamaño que cuadre con esos 50 píxeles de altura para el personaje, se coge un color chillón y hala, a pintar todos los contornos principales. La clave para que todo quede bonito es la “regla de la ele”. Me explico. Si hacéis zoom a las imágenes adjuntas, veréis que a la hora de trazar el recorrido de un contorno, el grosor es mínimo y no hay cuñas o picos formadas por tres píxeles, ya que ese efecto afea el conjunto al quedar demasiado marcado el borde. Ejemplo al canto. Para lectores con visibilidad reducida, el de la derecha es el güeno.

Hombre, si no hay más remedio que pintar mucho contorno junto al unirse varias líneas entre sí (véase sobaco del brazo que queda atrás), pues qué le vamos a hacer, luego lo arreglamos usando una paleta de colores apañada. Recordad utilizar un color fuerte y que sepáis que no se encuentra cerca de ninguna tonalidad que vayáis a usar para evitar engorros a la hora de colorear en profundidad. Por el momento basta con rellenar los huecos con un solo color base para poder trabajar con la animación.

Una vez que esté lista esta tarea de chinos y antes de ponernos a dar detalle al conjunto, habría que ir comprobando que los fotogramas cuadran al visionarlos como animación. Para eso, recortamos cada frame y los ponemos todos como capas en un solo proyecto, de forma que podamos ir moviéndolas de forma independiente y haciendo semitransparente la capa superior, podamos ir viendo cada fotograma paso por paso y así realizar las correcciones pertinentes. Una de las razones por las que he realizado todos los sprites puestos en horizontal en una sola imagen es precisamente para evitar sorpresas de última hora, pues teniéndolos todos de seguido se pueden calcular mejor las alturas y tamaños.

Paleta y sombreado:

Otra de las limitaciones además de la resolución era la cantidad de colores a usar en pantalla. Por ejemplo, un ZX Spectrum poseía 16 colores amén de un montón de limitaciones de cara a poner varios de estos en una misma línea en pantalla, por lo que había que hacer malabares para que algo tuviera cierto colorido. Hoy en día prácticamente no existe restricción alguna, por lo que podemos dotar a un sprite de una paleta con la que podamos hacer prácticamente degradados realistas. Pero claro, estamos haciendo sprites “old-school”. Si cogiéramos un dibujo y directamente lo escaneáramos haciendo mínimos retoques, lo cual es trampa fullera. Como aquí somos masocas, os voy a explicar cómo realizar un sombreado simplón utilizando una paleta limitada.

Lo ideal a medida que vamos seleccionando colores es crearnos una referencia de color para no volvernos majaras eligiendo las tonalidades. En una esquinita de la propia imagen os hacéis una paletilla auxiliar. También es útil a la hora de comparar las gamas cromáticas. Yo suelo utilizar para cada “color principal” 4 o 5 colores como mucho. Es decir, para la camisa elijo 5 tonos de azul, para los pantalones 4 de marrón y así con el resto de tonos principales. De todas formas, si una vez terminado todo no nos convence cómo ha quedado, siempre podemos usar la herramienta “reemplazar color” de Photoshop para modificar alguno en concreto.

El paso previo al sombreado es, evidentemente, quitar esas líneas chillonas de contorno y adaptarlas a la superficie que delimitan. Una vez listo el panorama y tomando como base la coloración de referencia hecha anteriormente, nos ponemos manos a la obra. Igual que se pueden usar referencias externas para currarse los dibujos y animaciones, no es mala idea fijarse en otros sprites o en imágenes reales para hacernos una idea de lo que necesitamos. No es lo mismo sombrear una superficie plástica que la piel humana. Ahí no voy a entrar en detalles, y es que como ya digo, la mejor forma de curtirse en la materia es patearse páginas de estas que recopilan rips de sprites.

Al dar color, debemos tener claro cual es la fuente de luz que supuestamente ilumina a nuestro monigote, o al menos, tener cierta coherencia a la hora de sombrear. Si damos por hecho que la iluminación viene de delante del mismo, tendríamos que ser consecuentes con el hecho de que los colores claros se irán tornando oscuros a medida que coloreemos las partes que están en el lado contrario. También podemos imaginar que la iluminación es global, es decir, que viene de todos lados, por lo que las sombras generadas serán producto de las propias extremidades o texturas del personaje. En mi caso, he optado por ese sistema, y como podéis ver, por ejemplo la camisa está iluminada en las partes prominentes, como la chepa o el pecho, mientras que se generan sombras en los pliegues y debajo de las extremidades.

Algunos trucos:

Como ya visteis, la cabeza la dejé para más adelante a propósito por varios motivos, estando el más importante relacionado con la representación del movimiento. En cada fotograma, levanto un píxel la meolla entera para luego bajarla en los siguientes de forma que se consiga cierta plasticidad en la animación. Si pusiera la cabeza fija en todos los fotogramas, el efecto sería horrible, os lo aseguro. Otro detalle insignificante pero efectivo es el de moverle una pizca el flequillo en el fotograma en el que da la zancada. Son tan solo dos míseros pixels, pero el resultado final gana mucho tanto con esto como con lo de moverla a diferentes alturas, y se adorna el hecho de que la cabeza sea un sprite totalmente estático.

También hablé antes sobre el hecho de que empecé planificando todo con 6 sprites y han acabado convirtiéndose en 8. He cogido los dos sprites clave en los que el personaje cambia de pie la zancada. Al pensar un poco en cómo corren algunos personajes de dibujos animados, existe un pequeño lapso de tiempo en ese instante de forma que la carrera no resulte monótona y parezca que susodicho esté esforzándose al pegarse la carrera. Teniendo esa idea como base, he cogido sendos sprites y los he modificado mínimamente, cambiando una pizca tan solo los brazos y las piernas por debajo de la rodilla.

Y por fin el resultado final.

Conclusiones y moralejas:

Para realizar todo el procedimiento al completo habré tardado unas 4 horas como mucho haciéndolo con calma y a pequeños ratos. Por supuesto esta cifra es variable, y dependerá tanto de nuestra pericia como de lo que estemos dibujando y el acabado que le queramos dar.

Existen muchísimas otras facetas en esto del pixel-art. El uso de tiles, encadenado de animaciones, fondos estáticos grandes, recursos y efectos… por lo que se podría hablar largo y tendido de la materia. Esto tan solo ha sido un picoteo por encima de los pasos a seguir para realizar una simple animación. Igualmente, cada maestro tiene su librillo, y los pasos que yo he realizado no son ni mucho menos los canónicos, pudiéndose hacer la tarea como a uno de venga en gana. De hecho, conozco a algunos que directamente se ponen a pintar con todo lujo de detalles el sprite desde el principio y por partes, aunque para eso ya hay que ser una máquina de pixelar.

Me gustaría que opinarais sobre el interés que os generan este tipo de artículos prácticos. Servidor no es ni mucho menos un profesional en la materia, pero este tipo de cacharreo me encanta y si tiene cierta aceptación, podría seguir hablando de historias similares. ¿Veo tomates volando hacia el escenario?

Minipunto para el que averigüe a qué personaje he querido representar, lo cual subiría mi autoestima unos cuantos enteros si verdaderamente lo reconocéis.

La web 2.0, una ventana al resto del mundo, información instantánea entre dos puntos cualesquiera del globo, interacción social en pos del desarrollo, la tolerancia y la globalización. Todo esto está muy bien cuando un becario escribe un artículo en el 20 minutos sobre nuevas tecnologías, pero al final, el verdadero sustrato sobre el que se sustenta el uso que hace la gente de sus líneas ADSL se basa en paridas, paridas de proporciones épicas que han copado la red hasta el punto de tapar y esconder aquellos pequeños retales que son verdaderamente interesantes, amén de desaprovechar una poderosa herramienta de cara a la creatividad y el desarrollo personal.

Messenger:

Las redes sociales le han ganado terreno a los servicios de mensajería instantánea de toda la vida, pero viejas costumbres nunca se pierden, y la fauna del Messenger sigue utilizando su sistema de comunicación primigenio, donde podemos ver todavía esas costumbres comunicativas tan adorables en forma de nicks sazonados con frases, colorines e iconitos. Lo que hace una década empezó siendo un buen sistema de comunicación para charlar con tus primos de Albacete se fue convirtiendo en un escaparate de penurias y un medio más que eficaz aunque impersonal para tirarle los tejos a las chavalas. Sea este un breve repaso por aquellos carismáticos recursos  para sazonar los nicks de usuario y que son algunas de las marcas distintivas del asentado servicio.

• Las frases en inglés: La estrofa de una canción de Rihanna puede ser un excitante reclamo para intelectuales de chichinabo, aún cuando ni el propio usuario sabe lo que significa. Especial mención para la horrorosa moda del -ing. Estudianding, curranding, duchanding… ¿Qué mierda es eso? ¿Un revolucionario método para hacer parecer interesante una tarea cotidiana que no lo es? Y lo que es más importante… ¿A quien le importa que te estés duchando? Tal vez a tu madre, pero a ella la tienes en el salón para recordártelo.

• Los juegos de palabras: Chorizos al estilo “El amor es como las albóndigas, pero las albóndigas nos enamoran” pueblan mi lista de contactos. Ingeniosas frases que en muchos casos salen de la mente del que las plasma en un alarde de sapiencia que debe ser por todos los medios compartido con el mundo. El pedo de un predicador, como quien dice.

• Mensajes crípticos: “Hay gente que da asco”, “Ojalá estuvieras aquí”, “La vida a veces nos da palos”. Lamentos al vacío que no son más que una versión digital del tirar la piedra y esconder la mano. Con lo claro y directo que sería poner “Juanma, eres un hijoputa”. El locutor se quedaría a gustísimo y no habría lugar para la confusión por parte del receptor. Si la gracia de la cháchara vía internet es la disminución de la vergüenza al no tener al destinatario de nuestras movidas delante, no comprendo estas actitudes de timidez estando al otro lado de la barrera.

• El reclamo del abejarruco: “No estoy pa nadie”. O lo que es lo mismo, “me ha pasado algo supuestamente chungo, y ardo en deseos de que me lo preguntéis pero me hago el interesante”. Si realmente has terminado una relación de siete años con tu pareja, lo que menos ganas tendrías es de poner el messenger, así que no será tan grave. Derivaciones mucho más sutiles y finas son poner puntos suspensivos tras el nombre o cambiar tu nick por tu verdadero nombre de pila, dándole al asunto un empaque y una sobriedad de la que vamos, no somos dignos.

Facebook y Tuenti:

Si una sola línea de texto daba tanto juego como menciono en el apartado anterior, esta pasarela Cibeles del ego superlativo que suponen estas dos redes ha maximizado todo aquello que resultaba deshonesto e innecesario, pudiendo mostrarle al gran público retazos de nuestra vida cotidiana como quien tira publicidad de Mediamarkt en un buzón.

• Una vida interesante: Hace unos días, estaba en casa de mi amigo el de la coleta junto a otras amistades. Era bastante tarde, estábamos pasando el rato charlando y tomando unas copichuelas. Eso sí, con pocas ganas de invertir el tiempo en nada que requiera un mínimo de preparación. Estábamos, como se suele decir, aplatanáos. Una de las chicas presentes estaba echando un vistazo a su cuenta de Facebook con su portátil. Sorpresa la mía cuando al día siguiente, al echar un ojo a mi cuenta, veo que ella había escrito en aquel momento algo así como “¡De fiestaza loca en casa de unos colegas!”. Loca, loquísima. Sirva el ejemplo para ilustrar esas ansias por compartir todo lo que molan nuestras actividades con nuestros contactos.

• Foto Tuenti: Mención aparte para esas mastodónticas galerías de fotos en las que el grupete de amigos realiza poses en algún bareto cubata en mano con cara de “tó loco, tío”. Ya sabéis, haciendo cosas como chuparle una teta a tu colega, ponerse dos vasos de tubo en los ojos o enseñar al respetable tus calzoncillos marca Uomo. Luego les preguntas cómo se lo pasaron aquella noche y te dicen: “Pues fue una puta mierda”. Ostias, pues si os lo pasáis mal y aquello parece Sodoma y Gomorra, Dios nos pille confesados como montéis el numerito algún día que os divirtáis de verdad.

• Compártelo todo: Desde el primer pis en la taza de tu crío hasta esa pelotilla gris que te ha salido en el ombligo y no para de crecer. Te puedes montar una vida en directo y crearte incluso una dependencia que te insta mostrarle a todo cristo hasta la última foto que saques, llegando incluso a realizar fotos con visos a colgarlas, lo que podría considerarse un grado menor de exhibicionismo. Es algo así como cuando vas a casa de esos amigos tuyos que se fueron de crucero por el Mediterraneo y te ponen en el reproductor del salón las 324 fotos que han sacado y las 2 horas y media de vídeo con ella metiendo tripa en las poses para salir esbelta. Lo mismito, pero sin salir de casa y en un asiento cómodo.

• Las vacas, los castillos y suputamadre: ¿Por qué se tienen que mancillar hasta los videojuegos por culpa de este mongoloide movimiento social? Quiero decir, yo jugaba al Sirm Farm cuando era un moco y no me ponía a pegar a la puerta de los vecinos para decirles que me ha parido una yegua digital. Pero del irrefrenable odio a estos menesteres ya se han escrito ríos de tinta, por lo que me quedo más por el hecho de tener que recurrir a burdas socializaciones para avanzar en el juego más que en la temática del mismo en sí. Al final todo se resume en maniobras publicitarias en cadena y poco más, o lo que es lo mismo, banales anuncios hasta en nuestra página de inicio.

“Ha sido realmente fácil encontrar algo que demuestre lo de los calzones”

Fotolog:

Existe internet, y luego está Fotolog, cuyo peso mediático ha quedado a la altura de esas viejas folclóricas de otro tiempo como MySpace, el portal de Terra o la búsqueda del emulador de PSX en Emudek. El blog de los bohemios, o de los flojos, más bien. Si lo piensas bien, casi podría denominarse como el precursor de Tumblr, solo que usando pies de foto con letras de Korn o Tokio Hotel. Su hermetismo y ausencia de interrelación con cualquier otra red social lo hace ideal para el recluimiento intencionado de preadolescentes depresivos y lolitas acomplejadas. Para los que disfrutamos (o nos documentamos) viendo este tipo de cosas, es una mina.

Tumblr:

Reconozco ser ferviente seguidor de este sistema de microblogging por las posibilidades que supone realizar posteos elevados a la mínima expresión. Cosas que se quedan cortas para ser expuestas en un blog y poco directas si utilizamos twitter. Un enlace, un vídeo interesante, una frase… que por desgracia ha acabado transformándose en imágenes con sexo antinatural, montajes con mémes de 4Chan y gifs animados de películas. Al menos nos alejamos del autobombo del individuo, pero sirve como un ejemplo más para demostrar la degradación de medios que se podrían aprovechar para otros menesteres mucho más interesantes.

Moralejas:

Podría hablar del Twitter como herramienta ideal para ver como se hacen los enrollados los famosos con sus fans o cuan proactiva en la red es gente como Kirai, Enrique Dans o David Bravo y qué desgraciados somos el resto de mortales. Incluso me atrevería a mentar la plataforma profesional LinkedIn como escaparate de pavoneos de gente que pone que es community manager de la charcutería de su barrio. Esta enumeración podría alargarse mucho más, demostrando que en la mayoría de los casos, su potencial como herramientas de interacción y creación quedan como la punta del iceberg. Evidentemente, cada invento tiene su utilidad y hay algunas de estas aplicaciones que son para lo que son aunque luego se publiciten como algo mucho más idealizado.

Los que vivimos los inicios de todas estas cosas las utilizamos con la ilusión de ser partícipes en el despegue de un nuevo sistema de comunicación que abría muchísimas puertas. Hablar con desconocidos hasta altas horas de la madrugada en un chat, descubrir de carambola webs recónditas donde un señor contaba su vida diaria con un sentimiento y una sinceridad que tan solo el anonimato es capaz de proporcionar. Sensaciones que a día de hoy han sido suplidas por interacciones mucho más banales, fruto del consumismo exacerbado, la apología del ego y un terrible escaparatismo del individuo. Mentiría si digo que me he mantenido ajeno a todas estas modas, y de sobra sabéis que podéis encontrarme en la mitad de las redes que he mencionado, más fruto de la necesidad que otra cosa, y es que cuando te das cuenta que la gente anuncia la defunción de sus familiares o el nacimiento de sus hijos utilizando como primera vía de comunicación una de estas cosas, es que algo no va bien.

Esta idea del mestizaje y el trabajar desde una base que funciona casi ha sido siempre el leif motiv de Raven Software. Juegos que no innovan en ninguna de sus facetas pero que resultan atractivos. Marvel: Ultimate Alliance es un action-rpg/hack’n’ slash con una licencia jugosísima. Con Heretic y Hexen tomaron Doom y le pusieron una ambientación molona. Sobra hablar de lo que supuso Jedi Knight 2 y sus secuelas o el primer Soldier of Fortune, amén del último Wolfenstein del que bebe en cuanto al manejo este Singularity al ser hijos del mismo padre, el sempiterno Unreal Engine.

Me voy a mojar. Dejando de lado el hecho de que la ambientación y el argumento gira en torno al descubrimiento de una isla en la que los rusos realizaron experimentos relacionados con viajes temporales, su forma de plasmarlo y presentarnos todo el desarrollo es un calco de la narrativa interactiva que utilizó Bioshock, con esos apuntes y grabaciones que podemos decidir leer y escuchar para informarnos de la historia en la medida que cada uno queramos. El propio entorno deja pistas de lo que aconteció en la isla, prima hermana de Rapture en cuanto a la mecánica que aquí se plantea.

“Generador aleatorio de capturas de pantalla para juegos de acción”

Sigamos con Bioshock. Una de las cosas más acertadas del juego era la libertad a la hora de enfrentarnos a los enemigos como quisiéramos, alternando entre nuestro arsenal y los plásmidos. Aquí el equivalente a aquellos chutes intravenosos es ese aparatejo de muñeca que preside la misma portada de Singularity, un artilugio de uso limitado que da mayor variedad a nuestros enfrentamientos pudiendo desatar un despiporre de acciones: Campos de fuerza, escudos de protección, ondas de choque y el plato fuerte que sirve como el gancho promocional principal, la posibilidad de alterar nuestro entorno haciendo que los objetos cambien su fisonomía revirtiéndolos en el tiempo. Así, una escalera que con el paso de los años ha quedado inservible podrá volver a estar como nueva si utilizamos nuestro aparatejo con ella. Evidentemente, este sistema está limitado a ciertos objetos (y enemigos) del entorno, pero sin duda son la base del avance a lo largo de la campaña.

Hablemos ahora de Half Life 2. Así, porque sí. Una de las cosas más molonas de aquel era el uso del motor Source para resolver puzzles en los que la física jugaba gran papel, amén de aquel arma gravitatoria que nos permitía coger cualquier objeto y dispararlo con fuerza hacia donde nos diera la gana. Pues oye, si molaba… ¿por qué no cogerlo e implantarlo aquí sin demasiadas concesiones? Dicho y hecho.

“Los milagros del croma”

¿Qué es lo que le mola a la gente matar en este tipo de juegos? Hombre, pues los nazis o cualquier cosa que huela a WWII está demostrado que funciona. Pues nada, con la excusa de los viajes temporales tal cosa es factible… Pero es que también mola meter bichejos y demás asuntos paranormales, que en Wolfenstein quedaron la mar de resultones. ¡Qué puñetas, pues dentro también! ¡Y bosses grandotes! de esos de los que hay que averiguar su rutina de ataque para poder hacerle daño. ¡Y tramos de terror y susto fácil!, que el mal rollete de un survival horror tiene chicha. ¡Y un mono vestido de botones, que es algo graciosísimo! No hombre, eso no.

Este último párrafo bien pudo ser mencionado por algún guionista o artista conceptual de la compañía para poner los puntos sobre las íes en cuanto al camino a seguir, pero lo complicado del asunto no es trasladar dichas ideas a un proyecto propio, sino mezclarlas y que queden bien conectadas, que el todo no sea la suma de las pequeñas partes sino que el bloque desarrollado tenga identidad propia. Como bien ha demostrado el historial delictivo de Raven que antes se ha comentado, a esta gente le sale cojonudo el tema del popurrí y el transformismo como si de una cabaretera llamada Pepe se tratase.

“Debería existir un color que se llame azul Unreal engine”

Singularity mola, afirmación que viniendo de un despegado de los fps debe ser tomada con más importancia que el resto de retazos de este análisis. Me pasó lo mismo con Wolfenstein y con Quake 4, y la culpa la tiene ese equilibrio de juego que nos mantiene enganchados, así como tentados y engañados con pequeñas sorpresas y novedades jugables progresivas que evitan que el ritmo decaiga sin recurrir a trucos barriobajeros. Todos los juegos antes mencionados me los tragué de cabo a rabo casi sin pestañear, sin verme abrumado ante ninguna panacea del género pero sin duda, habiendo disfrutado cada uno de ellos.

La campaña dura lo que suele estar establecido por norma general, algo más de diez horas, que también cono viene siendo habitual, se ven ampliadas por un modo multiplayer bastante simpático, donde se enfrentarán soldados con las armas que podemos ver en el juego contra las criaturas mutadas a las que nos enfrentamos en el mismo, existiendo diferentes tipos de unidades en cada bando con su propio armamento y forma de jugar, cosa que en caso de los monstruítos está mucho más acusada. Los dos tipos de enfrentamiento son el clásico deathmatch y un modo de captura y recuperación de zonas que da bastante juego y que fomenta la estrategia en detrimento del tiroteo desenfrenado.

“Anda, se me ha colado una imagen de por ahí. Ah, no, que sí que es de aquí”

No ha sido un bombazo coreado a los cuatro vientos, pero ninguna de las críticas vertidas tachan al juego de mediocre, siendo la tónica general todo lo contrario, el consenso de que estamos ante un título que entretiene, divierte y sorprende a pequeñas dosis, que no cae en esa sensación de “a este juego ya he jugado” aún siendo un mix de diferentes ideas que han dado buenos resultados por separado posee su propia identidad.