Esta idea del mestizaje y el trabajar desde una base que funciona casi ha sido siempre el leif motiv de Raven Software. Juegos que no innovan en ninguna de sus facetas pero que resultan atractivos. Marvel: Ultimate Alliance es un action-rpg/hack’n’ slash con una licencia jugosísima. Con Heretic y Hexen tomaron Doom y le pusieron una ambientación molona. Sobra hablar de lo que supuso Jedi Knight 2 y sus secuelas o el primer Soldier of Fortune, amén del último Wolfenstein del que bebe en cuanto al manejo este Singularity al ser hijos del mismo padre, el sempiterno Unreal Engine.

Me voy a mojar. Dejando de lado el hecho de que la ambientación y el argumento gira en torno al descubrimiento de una isla en la que los rusos realizaron experimentos relacionados con viajes temporales, su forma de plasmarlo y presentarnos todo el desarrollo es un calco de la narrativa interactiva que utilizó Bioshock, con esos apuntes y grabaciones que podemos decidir leer y escuchar para informarnos de la historia en la medida que cada uno queramos. El propio entorno deja pistas de lo que aconteció en la isla, prima hermana de Rapture en cuanto a la mecánica que aquí se plantea.

“Generador aleatorio de capturas de pantalla para juegos de acción”

Sigamos con Bioshock. Una de las cosas más acertadas del juego era la libertad a la hora de enfrentarnos a los enemigos como quisiéramos, alternando entre nuestro arsenal y los plásmidos. Aquí el equivalente a aquellos chutes intravenosos es ese aparatejo de muñeca que preside la misma portada de Singularity, un artilugio de uso limitado que da mayor variedad a nuestros enfrentamientos pudiendo desatar un despiporre de acciones: Campos de fuerza, escudos de protección, ondas de choque y el plato fuerte que sirve como el gancho promocional principal, la posibilidad de alterar nuestro entorno haciendo que los objetos cambien su fisonomía revirtiéndolos en el tiempo. Así, una escalera que con el paso de los años ha quedado inservible podrá volver a estar como nueva si utilizamos nuestro aparatejo con ella. Evidentemente, este sistema está limitado a ciertos objetos (y enemigos) del entorno, pero sin duda son la base del avance a lo largo de la campaña.

Hablemos ahora de Half Life 2. Así, porque sí. Una de las cosas más molonas de aquel era el uso del motor Source para resolver puzzles en los que la física jugaba gran papel, amén de aquel arma gravitatoria que nos permitía coger cualquier objeto y dispararlo con fuerza hacia donde nos diera la gana. Pues oye, si molaba… ¿por qué no cogerlo e implantarlo aquí sin demasiadas concesiones? Dicho y hecho.

“Los milagros del croma”

¿Qué es lo que le mola a la gente matar en este tipo de juegos? Hombre, pues los nazis o cualquier cosa que huela a WWII está demostrado que funciona. Pues nada, con la excusa de los viajes temporales tal cosa es factible… Pero es que también mola meter bichejos y demás asuntos paranormales, que en Wolfenstein quedaron la mar de resultones. ¡Qué puñetas, pues dentro también! ¡Y bosses grandotes! de esos de los que hay que averiguar su rutina de ataque para poder hacerle daño. ¡Y tramos de terror y susto fácil!, que el mal rollete de un survival horror tiene chicha. ¡Y un mono vestido de botones, que es algo graciosísimo! No hombre, eso no.

Este último párrafo bien pudo ser mencionado por algún guionista o artista conceptual de la compañía para poner los puntos sobre las íes en cuanto al camino a seguir, pero lo complicado del asunto no es trasladar dichas ideas a un proyecto propio, sino mezclarlas y que queden bien conectadas, que el todo no sea la suma de las pequeñas partes sino que el bloque desarrollado tenga identidad propia. Como bien ha demostrado el historial delictivo de Raven que antes se ha comentado, a esta gente le sale cojonudo el tema del popurrí y el transformismo como si de una cabaretera llamada Pepe se tratase.

“Debería existir un color que se llame azul Unreal engine”

Singularity mola, afirmación que viniendo de un despegado de los fps debe ser tomada con más importancia que el resto de retazos de este análisis. Me pasó lo mismo con Wolfenstein y con Quake 4, y la culpa la tiene ese equilibrio de juego que nos mantiene enganchados, así como tentados y engañados con pequeñas sorpresas y novedades jugables progresivas que evitan que el ritmo decaiga sin recurrir a trucos barriobajeros. Todos los juegos antes mencionados me los tragué de cabo a rabo casi sin pestañear, sin verme abrumado ante ninguna panacea del género pero sin duda, habiendo disfrutado cada uno de ellos.

La campaña dura lo que suele estar establecido por norma general, algo más de diez horas, que también cono viene siendo habitual, se ven ampliadas por un modo multiplayer bastante simpático, donde se enfrentarán soldados con las armas que podemos ver en el juego contra las criaturas mutadas a las que nos enfrentamos en el mismo, existiendo diferentes tipos de unidades en cada bando con su propio armamento y forma de jugar, cosa que en caso de los monstruítos está mucho más acusada. Los dos tipos de enfrentamiento son el clásico deathmatch y un modo de captura y recuperación de zonas que da bastante juego y que fomenta la estrategia en detrimento del tiroteo desenfrenado.

“Anda, se me ha colado una imagen de por ahí. Ah, no, que sí que es de aquí”

No ha sido un bombazo coreado a los cuatro vientos, pero ninguna de las críticas vertidas tachan al juego de mediocre, siendo la tónica general todo lo contrario, el consenso de que estamos ante un título que entretiene, divierte y sorprende a pequeñas dosis, que no cae en esa sensación de “a este juego ya he jugado” aún siendo un mix de diferentes ideas que han dado buenos resultados por separado posee su propia identidad.

Para un jugador español, el corte de la saga Grand Theft Auto puede resultar cargante si no se es suficientemente afín a los planteamientos argumentales que suelen presentar. Las últimas entregas centran gran parte de sus líneas argumentales y de diseño en plasmar la mala vida en la gran ciudad, con sus bandas de mafiosos negratas enrollados, su hip-hop, la corrupción de la alta sociedad y otros tantos excesos del american way of life. Quizás, y solo quizás, Vice City llegó a contentar a algunos más al recurrir a una época diferente en la que las camisas de flores y la ludopatía bañada en anfetas podía hacernos partícipes de una especie de Miedo y asco en las Vegas digital. El Western, como género más universal, nos puede pillar algo más de cerca, y es que los parajes en donde se desarrollan siempre nos recordarán al desierto de Almería, amén de que actores icónicos como John Wayne o Clint Eastwood resultan mucho más atractivos que los de los derroteros antes mencionados, cuyas convenciones están harto trilladas.

No es casual la elección temporal del ocaso del lejano oeste bien entrado el siglo XX. Con la guerra de secesión y los conflictos con los indios nativos dejados atrás, el país se encuentra sumido en la revolución industrial. El ferrocarril y otros tantos avances tecnológicos entran como pueden en la franja oeste, sumida en la pobreza y el mismo modo de vida desde hace décadas .Por otro lado, Méjico se encuentra inmersa en uno de los episodios más complicados del periodo revolucionario con el exilio del dictador Porfirio Díaz y la llegada al poder de Francisco Madero. Eran los tiempos de Pascual Orozco y Emiliano Zapata. Nada mejor para plasmar las encarnizadas luchas en la frontera, y es que más de un tercio del juego se desarrolla allí.

Sobre lo idílico de la situación.

Estamos hartos de oír que tal o cual juego posee un sistema ambiental y de control del clima nunca visto, con lluvias torrenciales, atardeceres de película y demás inclemencias meteorológicas fotorealistas. Hasta ahí diríamos que RDR cumple su cometido aún no resultando ser el no va más en calidad técnica, y es que todos sabemos de qué pie cojea el motor Rage. Todo esto va más allá del aprovechamiento de recursos gráficos y demás memeces. No por recargar con detalles hasta cotas barrocas un videojuego este va a ser mejor. Hay que volcarse hacia lo que se quiere mostrar para que el todo se coma a cada una de las partes. Apretando el culo y realizando símiles artísticos, la perfección y la belleza que nos hace vernos inmersos en una absorbente experiencia jugable radica en la armonía de todos sus componentes más que en la propia perfección algebraica de las formas.

Pocas desarrolladoras son capaces de impregnar a sus obras con un factor contemplativo tan fuerte como la propia jugabilidad en sí. Bethesda tocó la cumbre con Morrowind, donde la insignificancia de nuestro personaje se hace patente al patear un mundo que gira sin nuestro consentimiento y donde somos un don nadie. Oblivion redujo esa sensación en consonancia con la extensión del mapeado y la cantidad de misiones y tareas a realizar, aunque ganó en estilismo gráfico con la ayuda del sistema Speedtree, que conseguía que nos perdiéramos en bosques fotorealistas y hacía que olvidáramos por un momento aquellos encuentros aleatorios sin sentido.

Otros títulos obligados a citar por recurrir con gran acierto a esa faceta podría ser el último Fallout, el viejo Outcast de Infogrames, el sempiterno Ocarina of Time, el nunca demasiado ensalzado Stalker así como la mayoría de títulos anteriores de Rockstar. Tal selección resulta ambigua pero representativa de la atmósfera que se puede crear utilizando la mera contemplación del entorno como un atractivo más en el juego. Podría remontarme a títulos mucho más antiguos, pero una de las claves de que todo esto funcione es el uso de la tercera dimensión (sin ánimo de ofender a ningún píxel) como imperativo requisito para representar un entorno vivo e inmersivo. Vaya por delante el hecho de que soy un ferviente admirador del los trabajos primerizos de Bioware y le he dedicado unas cuantas horas a algún que otro roguelike, pero nuestros sentidos no pueden llegar a tal grado de admiración por un paraje digital sin acercarse lo suficiente al valle inexplicable.

Entretenerse con cada una de las minucias que han sido implementadas en el juego sería una tarea titánica, máxime cuando ya sabemos lo que GTAIV fue capaz de llevar a cabo. Si en aquel, el bullicio urbano era la marca distintiva del juego en cuanto a la presentación de un entorno vivo, la vida salvaje en páramos yermos es la réplica de RDR. Desde hormigas que corretean entre los desperdicios de un viejo mercadillo a una manada de búfalos que pasta junto a un río. Del desmadre propio de una taberna al son de la melodía del pianista a la doma de caballos salvajes en las estepas. Contrastes en un todo homogéneo que dejan sin palabras incluso al mayor detractor del género.

Sobre lo apasionado de sus protagonistas.

El bueno de Niko Bellick, así como sus antecesores, Carl o Victor se movían por la fama y el dinero, llevándoles a una espiral de problemas y desgracias en lo que parecía ser una moralina sobre el precio que hay que pagar por hacer el mal así como el irrevocable destino que nos aguarda si elegimos el camino erróneo. Nos pilla muy de lejos todo esto. Las historia de redención de RDR utiliza recursos argumentales mucho más universales relacionados con redención del espíritu, la crudeza del ser humano, la traición, las diferencias raciales o el escepticismo ante el progreso. Por muy repulsivo que nos parezca un personaje como el que interpreta Lee Van Cleef en el Bueno, el feo y el malo, aun siendo un cabrón de pies a cabeza, posee un atractivo inherente a la época en la que se mueve. El lejano oeste refleja de forma amplificada la degradación de las personas en su intento por sobrevivir, pero también sus claras y más primarios deseos.

John Marston es el antihéroe perfecto. Aunque gran parte de nuestras acciones nos harán que seamos tratados como héroes o forajidos, queda bien trazado su recorrido en una oda a la venganza y el pago por los pecados del pasado. Su rasgada voz y su semblante inexpresivo podrían resultar repulsivos, pero es en esa rudeza y en ese semblante desgastado donde vemos mucha más humanidad en un ser digital que la que es capaz de desarrollar cualquier actor real del método. Irlandeses borrachos, revolucionarios avariciosos o eruditos adictos a la recién importada cocaína son algunos de los muchos personajes con los que nos codeamos. Podrían resultar estereotipos autoparódicos como ha solido ocurrir durante las últimas décadas en el género, pero ya sabemos cómo se las gasta Rockstar para dotar a sus marionetas de autenticidad, y en este caso, han llegado a lo más alto. John Ford dijo “Es más fácil conseguir que un actor se convierta en vaquero que convertir un vaquero en actor”. Tómese tal afirmación como cada uno considere oportuno.

Sobre la fusión de géneros.

Todos sabemos en qué consisten las mecánicas jugables de la saga GTA, replicadas aquí en un sinfín de facetas en cuanto a la consecución de misiones y la libertad para deambular y realizar actividades en segundo plano, pero se ha avanzado un paso adentrándose en territorio desconocido al añadir ciertas pinceladas que bien podrían estar sacadas de un mmorpg. Cazar animales para vender sus pieles o recoger diferentes tipos de plantas podría no tener cabida, pero dado el carácter pausado y contemplativo de la obra, su ejecución entre misión y misión resulta el añadido perfecto para tener una excusa con la que recorrer el enorme mapeado. A eso se le añade el hecho de poder realizar de forma repetida ciertas misiones en forma de acabar con guaridas de bandidos por el mero placer de hacerlo, práctica que puede ser llevada a cabo en grupo en el modo multijugador. Este último casi merece un artículo aparte, teniendo la posibilidad de ir subiendo niveles para conseguir mejores monturas, armas y apariencias para nuestro avatar.

Suena a locura pero funciona. Unir una saga de acción desenfrenada por bandera con un género mucho más denso a la par que excitante. No me extrañaría que el futuro tirara por esa senda, aunque ya se han realizado no pocos intentos de mmorpgs de acción sin demasiado acierto. A estas alturas en las que está casi todo inventado, la fórmula del mestizaje es la mejor opción para seguir evolucionando. Lo complicado es no romper demasiado con los cánones establecidos, pues somos animales de costumbres y necesitamos que nuestros juegos nos resulten familiares, aún cuando eso dé como resultado el estancamiento que llevamos viviendo ya bastante tiempo en el sector. Como ha demostrado RDR, se puede contentar a todo el mundo y además resultar originales.

Sobre el control al servicio de la diversión, y no al contrario.

Bonito es la palabra que mejor define al juego, pero también divertido. Vivimos en un tira y afloja entre ambos adjetivos, inclinándose la balanza en los últimos tiempos hacia la belleza en detrimento del disfrute, lo cual puede resultar contradictorio al haber mencionado que el disfrute del entorno es uno de los componentes inherentes al disfrute del juego, pero ante ciertas razones de peso, es imposible debatir nada. Los instantes iniciales de nuestra primera partida una vez pasadas las escenas de introducción resultan sobrecogedores, mucho más que lo que pudimos vivir en GTAIV, aún siendo dos escenarios totalmente diferentes. Si bien en Liberty City nos veíamos abrumados ante la magnitud de la ciudad y la vida que allí desarrollaban sus habitantes, es en la inmensidad del desierto americano y la belleza de sus parajes lo que nos encandila en este caso. Más allá de debates sobre gustos y preferencias, RDR está un grado por encima en cuanto a madurez en todos los ámbitos, tanto por su propia naturaleza como por lo que intenta que el jugador perciba.

Sería absurdo enumerar la cantidad de cosas que podemos realizar, pues un entretenimiento secundario como es sentarnos en una taberna para echar una partida al Poker ya resulta ser por sí solo un completo simulador de este juego de cartas. Las interactividad con nuestro entorno es constante, transformándose el sistema de control de mil y un formas sin que en ningún momento sintamos que se nos va de las manos el manejo. Sirva como ejemplo la captura de un caballo salvaje: Tendremos que perseguir a uno y estar lo suficientemente cerca para poder seleccionar en el menú radial de armas nuestro lazo. Tras haber apuntado y haberlo lanzado al cuello del equino, tendremos que acercarnos a él tirando de la cuerda antes de que se escape, una vez que estemos junto a él, podremos montarlo y durante unos instantes tendremos que menear el stick para no perder el equilibrio. Si no lo logramos, nos tirará y vuelta a empezar, si lo calmamos, podremos llevarlo a un poste, atarlo y adjudicárnoslo poniéndole la correspondiente silla de montar.

Todo este proceso requiere la pulsación de 5 botones diferentes, en donde a veces tendremos que pulsarlos repetidamente y otras veces mantenerlo. Pues sorprendente es el hecho de que posiblemente lo logremos a la primera en el intento inicial, ya que todo es intuitivo. Este ejemplo sirve de demostración sobre el hecho de que no por ser un juego más completo y con mayores recursos jugables, este deba complicarse.

Sobre el detallismo enfermizo.

Habiendo pasado varias semanas desde que lo adquirí, todavía sigo maravillándome por las minucias que se han implantado. Hace poco, decidí cambiar el poncho por una indumentaria más acorde con las tierras nórdicas que estaba recorriendo últimamente, así que me enfundé con una chaqueta larga. Intentando cazar unos castores, acabé con medio cuerpo metido en el río. Cual fue mi sorpresa cuando al salir, la chaqueta estaba mojada a la altura de donde me había sumergido, y que se fue secando progresivamente mientras caminaba. También noté como al patear zonas áridas, se me llenaban los bajos de arena. Sirva tal detalle como rasero para medir la ingente cantidad de variables en ejecución.

Los viandantes pasean, van a sus puestos de trabajo, se pelean con otros ciudadanos y lo que es más importante, interactúan de manera lógica y coherente con nosotros. Un choque, un cruce de palabras o nuestra mera presencia encadenará una serie de acciones a cada cual más sorprendente. Y lo que es mejor, Marston es un parlanchín y pone réplica a todo. Si tras recorrer kilómetros a caballo nos topamos con las míseras ruinas de una casa abandonada, nuestro protagonista se preguntará en voz alta quién viviría allí o por qué quedó abandonada. Rechazará las proposiciones indecentes de prostitutas, corresponderá a quien nos salude y maldecirá con todo su ímpetu a todo aquel que intente acabar con él, ya sea un bandido o un oso pardo de las estepas.

Todo este entramado de interacciones provoca la mejor de las sensaciones que puede provocar un juego, que seamos únicos delante del mando, que olvidemos por completo que al fin y al cabo, el desarrollo de RDR sea una sucesión de misiones con triggers posicionales y demás recursos ilusorios de libertad. Lograr que lo que veamos resulte totalmente fortuito y original solo está al alcance de unos pocos juegos, aunque al final, tales conclusiones dependan del propio jugador y el grado de entrega que éste es capaz de aportar.

Sirva como nota esclarecedora el hecho de que soy un Transfan de pura cepa, de los de la vieja escuela, y es que como bien comentó el maestro Viru, Transformers es equiparable a Star Trek en cuanto a la media de edad del seguidor, habiendo ya más de una generación que ha disfrutado de la franquicia. Actualmente vivimos un revival de la franquicia a causa del mancillado legado que nos han dejado las películas de Michael Bay, pero hay que verle el lado positivo al asunto. Posiblemente no hubiéramos visto el juego que tenemos entre manos si no se hubiera realizado.

En Transformers, como en Mujeres, hombres y viceversa, la estética lo es todo. Volviendo a los films, la revisión de esos robots de pocos vértices hacia entresijos de piezas maleables es más que evidente aquí. Realizando un sabio mestizaje entre los modelos de Generación 1 y los más modernos, casi puedo afirmar que los modelos presentados son los mejores que se podían haber realizado. Más allá de que Optimus sea blaugrana y Bumblebee recupere sus cuernecitos, se puede identificar a cada Transformer perfectamente, y lo que es mejor, se mantiene la personalidad de cada uno. Starscream sigue dando la brasa para intentar derrocar a su líder, Ironhide es un viejo cascarrabias y Soundwave es un puto nerd que sigue a ciegas las órdenes de Megatrón.

El párrafo anterior le habrá sonado a turco a que sea ajeno al mundillo, pero es que aquí el factor nostálgico llena mucho. Quitando las capas argumentales y estéticas de la franquicia, nos encontramos con un juego de acción en tercera persona de la vieja escuela, con ademanes jugables de los que vemos cada dos por tres en esta generación, cámara a media distancia, un botón para apuntar con algo de zoom, un indicador de la dirección desde donde nos han atacado y checkpoints en el modo campaña. Para alegría de un servidor, existen ciertas variaciones que lo sitúan en una posición más añeja. Aquí no hay sistema de cobertura de ningún tipo, y no nos curamos instantáneamente si no nos atacan (al menos no del todo), teniendo que recoger ítems para recuperar salud. Habiendo echado unas cuantas partidas en multijugador, la sensación que me ha dado es la de estar en un Quake 3 protagonizado por robots. Aquí cada uno que decida si ello es bueno o malo.

La campaña se pasa en un suspiro, unas 8 horitas. En ella, se nos narran las guerras cibertronianas que tuvieron lugar entre Autobots y Decepticons antes de que abandonaran su planeta natal y acabaran en la tierra. Los guionistas han hilado bien fino, de forma que lo que vemos encaja perfectamente tanto con la vertiente clásica de la franquicia como con lo narrado en las películas, así como muchas reminiscencias a los tebeos más modernos de IDW. Veremos al Prime que precedió a Optimus, el por qué de que abandonaran su planeta natal así como las relaciones entre los miembros de cada facción.

El plantel de personajes es bastante holgado, pudiendo controlar a un buen puñado de personajes, con los que avanzaremos en trío pudiendo controlar a uno solo de ellos. Esto es así porque se da la posibilidad de jugar el modo campaña online con otros dos coleguitas, modo la mar de fresquito que nos inducirá a pasarnos el juego más de una vez. Optimus, Bumblebee, Silverbolt o Ratchet son algunos del bando Autobot, mientras que Megatrón, Starscream, Soundwave o Barricade del bando Decepticon. Mención aparte para los secundarios y “bosses”, donde se alcanza una dimensión del copón en cuanto a tamaño. Si hablamos de Omega Supreme o Trypticon, los más entendidos sabrán a lo que me refiero.

Los modos de juego están bien servidos. Además del modo campaña y su vertiente cooperativa, tenemos un típico modo multijugador con el que darnos de tortas, en el que a medida que juguemos subiremos de nivel y podremos añadir mejoras a nuestros personajes. Existe también un modo “escalada” en el que resistir a oleadas de enemigos con un sistema de juego calcado al que pudimos ver en el extra “Zombies Nazis” del Call of Duty World at war. En ese sentido vamos bien servidos.

Algún punto negro habrá que buscarle al asunto, aunque estos sean obviedades dependientes de los gustos de cada uno. No hay ninguna novedad en cuanto a las mecánica jugables de un juego de esta índole. Tiros, tiros y más tiros en el modo campaña pueden resultar repetitivos para el que busque nuevas experiencias. Aun así, hay muchos capítulos en los que realizaremos tareas más originales, giranto todo en torno a la capacidad de transformarse en cualquier momento. Persecuciones en modo vehículo o incluso algún nivel totalmente orientado a la batalla entre naves espaciales hacen algo más ameno el camino, pero ya digo, si la movida Transformers no te llama, estamos ante un juego del montón.

Poco más que añadir. Si le queréis dar un tiento al juego está la demo multijugador disponible en sendas redes online de PS3 y Xbox 360, aunque ahí no apreciaréis la verdadera chicha del asunto en cuanto al argumento de la campaña y el visionado de nuestros personajes fetiche. Como siempre, aquí somos francos, por lo que mi veredicto es que si queréis darle un tiento rápido a la campaña, os lo alquiléis, y si queréis haceros con él, en unos meses lo tenéis a 30 pavos, precio más que merecido para lo que puede aportar el juego. Eso sí, que no os quepa duda, estamos ante el mejor videojuego de Transformers que se ha realizado hasta la fecha, lo cual puede resultar fácil dado el historial que ya comenté en otro artículo, peor aun así, el mimo y respeto que le ha dedicado High Moon Studios se nota, y tan solo el hecho de que en los créditos suene una nueva canción de Stan Bush hace que merezca todos los halagos del mundo y más.

Pero antes de entrar en materia, es importante destacar el peso argumental del comic basado en la primera entrega de la franquicia donde se narra el origen de Sonic y su archienemigo. Allí se cuenta como Sonic, un erizo marrón y feucho, llega excavando al laboratorio del doctor Kintobor, un famoso científico que acaba de crear una máquina con la que absorber el poder maligno de las esmeraldas del caos y así preservar al mundo del riesgo que supone su mera existencia. Con el tiempo, se hacen coleguitas, y el doctor le propone a su nuevo amigo colaborar en un experimento consistente en correr por una cinta de ejercicio a gran velicudad, con la mala suerte de que esta explota, tiñendo a Sonic de su característico color azul por culpa de la “radiación del cobalto”. He de decir que no soy nada partidario de esas denominaciones que tan solo usan las novias para referirse a ciertos colores. Azul Cobalto, bermellón, turquesa, malva, beige… En mi mente solo existen los colores del Spectrum, coñoya.

Volviendo al argumento, ahora viene lo bueno. Una mañana, el doctor le pide a Sonic que le traiga para desayunar un huevo duro y un agua con gas, que ya son ganas de meterse eso recién levantado. La cosa es que mientras le echaba sal al huevo, se le cayó la soda sobre la máquina que estaba construyendo, produciendo un cortocircuito entre el huevo duro y la energía maligna de las esmeraldas, amén de una subida crónica del colesterol y un cambio radical en la imagen y el comportamiento de Kintobor, quien a partir de ahora se llamaría Robotnik, aunque metiendo el tema del huevo de por medio no se pillaron los dedos de cara a mantener coherencia con el nombre del personaje para los orientales, Eggman. Mejor traído imposible.

“¡Y ponme un descafeinadorghhhh!”

Ante tal despliegue de inventiva, Sega UK no tuvo más remedio que recoger el testigo y lanzar al mercado el magazine Sonic the comic, publicado por la editorial Fleetway. Su contenido estaba dividido en varias secciones propias de una revista de videojuegos así como una pequeña historieta con Sonic como protagonista de forma inamovible y dos o tres más basadas en otros títulos de Sega. Se pubicaron un total de 223 números entre 1993 y 2002, y su nivel de éxito fue de la mano con el de la propia Sega, por lo que se puede intuir un declive progresivo con el paso de los años que produjo que las páginas de los últimos números no fueran más que refritos del contenido de números pasados acompañado de un aumento de precio y una reducción de páginas.

Control Zone es la sección de editorial con presentaciones de contenidos, el sumario y unas palabrejas del staff. Review Zone es la clásica sección de análisis con una nota basada en porcentajes que nunca bajaba del 80%, y es que sería absurdo poner a parir un juego en una revista de autopromoción. Es como cuando preguntas al camarero en un restaurante si el plato que has pedido está bueno. “Mire usted señora, no se pida el pollo al ajillo que sabe a culo”. Pues no, no te van a decir algo así. News Zone es un batiburrillo con anuncios de nuevos periféricos y notas de prensa de eventos y patrocinios en los que la compañía formaba parte. En Q Zone se ponían trucos y consejos. Por último, Speedlines es a grandes rasgos la sección de el teléfono rojo, cambiando a Yen por Megadroid, un robot formado por trozos de Megadrive que responde a las preguntas del personal, viéndose sazonadas por dibujos de Sonics hipermusculados y calcos de portadas de videojuegos que también enviaban los lectores.

“Hey Yen, ¿Saldrá algún día un juego de Goku en España?”

Respecto a los tebeos, la calidad es bastante irregular. Los protagonizados por Sonic son en su mayoría mediocres, más que nada fruto de unos dibujantes de tercera categoría que en muchos casos recuerdan a esos tebeillos amateurs que hacíamos en el instituto con parodias imposibles de Dragon Ball o Mortal Kombat, por citar algunos de cosecha propia. Argumentalmente se solía tomar como referencia a los personajes y escenarios de los videojuegos de la franquicia que iban saliendo, estando todos ellos situados a partir de lo sucedido en Sonic 2, por lo que Tails ya rondaba por ahí, al que más tarde se le uniría Metal Sonic, Amy, Knuckles y el resto de la plantilla. Eso sí, muchos otros secundarios son de cosecha propia, con personajes de la talla Johnny Lightfoot, un conejo con chupa de cuero y un bastón metálico que usa como arma, el monstruoso pirata Capitan Plunder (quien llegaría a tener su propio spin-off dentro de la revista) o mi preferido, el cerdito bonachón Porker Lewis.

“Porker Lewis nunca pierde”

Sin duda, la verdadera chicha de todo el asunto eran las historias de otros juegos mucho más interesantes que los rollos patateros del erizo salvando animalitos por el mundo. Hablamos de comics basados en Streets of rage, Kid Chameleon, Golden Axe, Decap Attack, Shinobi, Wonder Boy (El personaje de los Monster World, para ser exactos), Sparkster o Eternal Champions por citar algunos. Algunos de sus autores son medianamente conocidos, como John Haward, dibujante todoterreno que conozco gracias a los comics de Juez Dredd y 2000 AD y Spectacular Spiderman hace unos años, que se encargó del comic de Shinobi durante más de una docena de entregas. Más sorprendente resulta encontrar a algún pez gordo que otro que colaboró de una forma u otra en la revista. Sin ir más lejos, el mismísimo Mark Millar fue el guionista del comic de Streets of Rage.

“¡Es la hora de las tort… del bocadillo de anchoas!”

Tras unos años dorados en los que la revista se vendía de maravilla, empezaron a renquear las cosas dentro de la misma. La época Saturn y la ausencia de videojuegos del erizo en esa generación hizo que Sega UK dejara un poco a la deriva el contenido de la revista, por lo que el cómic de Sonic, considerado como la sección con mayor atractivo, fue bajando de calidad y recogiendo argumentos de donde se podía, desde spinn offs de personajes nuevos como el capitán Plunder antes mencionado a ideas sacadas de los tebeos de Archie o del show de TV “Saturday Morning Sonic”. Recordaréis esta serie porque Sonic tenía como sidekick a una ardilla con tetas y pelo rojo, aunque aquí en España la que más se emitió fue la de Adventures of Sonic, sí, esa en la que Tails tenía la voz de Chelo Vivares y los sicarios de Robotnik eran un ciborg con forma de gallo y otro con la voz de Bender. Pronto hablaré de las distintas series de televisión que se realizaron, que son para echarles de comer aparte.

Con Fletaway haciendo las cosas a su modo y Sega metida en sus propios problemas, era de esperar que la revista se fuera a pique. Normalmente, la propia compañía mandaba a la revista algunos bocetos y el argumento de los juegos que se estaban desarrollando para llevar cierto control en cuanto a las licencias y la publicidad. Para cuando salió Sonic Adventure en Europa a finales del 99, Fletaway tan solo había recibido un mísero jpeg en baja resolución con la apariencia de Chaos, el malo ese de agua que salía en el juego, así que tuvieron que inventarse todo lo demás. Como resultado de tanta desazón, a mediados del 2002 apareció el último número de Sonic the Comic pocos meses después de que Sega Japón anunciara que daba por concluida la producción de la consola Dreamcast para dedicarse íntegramente al desarrollo de software.

“El niño camaleón a lo Tom Cruise”

Como epílogo, comentar que muchos fans de la vieja revista crearon en 2007 Sonic the comic Online, una “continuación amateur” de la revista en formato digital con historietas de videojuegos más modernos de la compañía como Shenmue o Sonic Adventure 2, que se sigue publicando actualmente en esta web. Igualmente, si queréis echarle un ojo a la revista original, buscando un poco por la red podréis encontrar scans de la revista. Ay, picaruelos!

“Hase sientos de años, en el planeta Sibertón…”

La serie madre, como todo ajeno debe saber, es la llamada Generación 1, una coproducción japo-americana que narra las idas y venidas de los Autobots y los Decepticons en su eterna liada a mamporros, llevándole su marimorena al planeta tierra, donde se disputan la obtención de un mineral llamado energón que les sirve para cargar sus móviles y netbooks. Basándose en ella y de la mano de Activision surgió el primer videojuego de la franquicia para ordenadores de 8 bits, en concreto para Commodore 64. The Transformers “The battle to save the earth” (1986) es su título, que viene precedido por un vol.1 que hace suponer que saldrían varias entregas al mercado, pero un austero sistema de juego hizo méritos para que no fuera así.

En una especie de tablero con diferentes áreas, debemos enviar a uno de los Autobots de los que disponemos a las áreas atacadas por los Decepticons, consistiendo cada fase en un juego de galería de tiro donde disparamos a enemigos que se mueven por la pantalla cual moscas sobre zurullo, pero qué mejor que verlo en acción para comprobar que lo único rescatable de la cinta era su musiquilla. Curiosamente, la pantalla de título mostraba en su zona más visible un “Designed by David Crane”. El mismísimo co-fundador de Activision y creador del gran Pitfall un par de años antes como ya comenté en el artículo al respecto de la compañía es el padre de la criatura. Se ve que el juego acabó como si de una molla en una portada de Interviú se tratase, pues se ha borrado todo rastro de su participación en el juego en todas las biografías que rondan por la red.

Otro juego basado en Generación 1 fue distribuido por Ocean en el mismo año con el original nombre de The Transformers (1986). Esta vez sí que el planteamiento se acerca algo más a lo que uno espera de una serie en la que se pelean robots, siendo una suerte de juego de plataformas sin scroll tan propio las máquinas de época, en este caso Spectrum y Commodore 64. Podemos controlar a un buen puñado de Autobots de primera hornada como Bumblebee, Jazz, Hound o la super estrella Optimus Prime. Curioso resulta el hecho de que no hubiera rastro de este último en el otro juego, estando como líder de reemplazo Rodimus Prime, la digievolución de Hot Rod, que en la serie tenía menos carisma que un candelabro ¿Cuestión de licencias o respeto por la serie al replicar la situación de la serie durante su tercera temporada tras la muerte del gran jefazo en la película de animación? No lo sabemos, pero esta ausencia se extendió a los siguientes títulos.

“Más de lo que los ojos ven. Sí, pues con esos píxeles…”

Ya en el campo de las consolas, para Nes apareció a finales del mismo año Mistery of Convoy (1986), en exclusiva para Japón y utilizando la nomenclatura de su versión de la tercera temporada de generación 1, que allí la llamaron Transformers 2010, le cambiaron el opening y se quedaron tan panchos. El protagonistas es Ultra Magnus, otro sosainas de cuidao al que intentaron dar mayor peso en la serie para intentar que Optimus tuviera un sucesor en cuanto a su icónico éxito. El juego es malo, difícil y feo. Es más, al probarlo posiblemente os plantearéis dejar los videojuegos para siempre, algo así como cuando compras tabaco de contrabando a una gitana en la feria. El genial Angry Video Game Nerd hizo su análisis de este juego y el de Activision, por lo que no hay mejor lugar para comprobar todo esto.

“Paint-art”

Tambien para Famicon apareció al año siguiente Transformers: Headmasters (1987), que tomaba como referencia una de las series que salieron de Japón una vez terminó Generación 1. Mientras en estados unidos se pasaron un lustro emitiendo reposiciones de las tres temporadas de la serie original, los japoneses se pusieron a realizar más capítulos por su cuenta, de forma que en el 89 ya habían creado tres series: Headmasters, Materforce, Victory y un último intento que se quedó en ova, Zone. La primera casi casi podría considerarse una continuación canónica de la serie original, en la que hacen aparición los transformers que dan título a esta secuela y que se acoplan en forma de cabecitas a cuerpos de robots más grandes. En Masterforce ya liaron la marimorena, con Optimus y compañía pudiendo cambiarse a forma humana y un grupo de infantes que ejercen de sidekicks de chichinabo y que acaban pilotando tres robots que se acoplan a Prime. Lo que viene a ser meterle a la serie el rollete sentai que tanto les gusta a los ojos rasgados, pero que a gusto del occidental, canta demasiado. En Victory el protagonista es un comandante autobot que se sacan de la manga llamado Star Saber, que se enfrenta al líder decepticon Deszaras y que como supondréis, es un Megatrón de reemplazo. Eso sí, todo con un regustillo infantiloide que tira para atrás.

Volviendo al tema, en este último juego creado por Takara, cogieron el Mistery of Convoy y cambiaron a Ultra Magnus por Chromedome (o Cromodomo, como decían en nuestro querido doblaje sudamericano), al que más tarde se le podían unir más personajes. De nuevo de Optimus ni rastro. Y de nuevo la jugabilidad era para pegarse un tiro, menos mal que nos íbamos a tirar unos añitos sin saber nada del tema hasta casi una década despues. Por cierto, estas últimas series las debéis recordar porque fueron emitidas por Antena 3 a principios de los 90. Es más, el otro día puse un canal autonómico de mi ciudad y estaban poniendo Masterforce.

La guerra de las bestias:

La compañía Canadiense Mainframe Entertainment pasó a la historia por ser pionera en crear la primera serie de televisión íntegramente en 3d. Beast Wars encaja perfectamente con todo lo narrado en generación 1, y toma muchos detalles de los comics de Marvel que desarrollaron con mucha más profundidad la historia de los Autobots y Decepticons. Ahora las facciones enfrentadas son dencendientes de estas, los Maximals y los Predacons, que con un arranque argumental similar al de la serie original, acaban estrellándose en un planeta que resulta ser la tierra en la prehistoria, habiendo retrocedido con sus naves en el tiempo hasta la época en la que los autobots y decepticons originales estaban desactivados dentro del arca que los trajo tras el accidente. Por culpa de la radiación que hay en el planeta, los robots deben tomar formas alternas de animales, así que en vez de coches y tanques, los transformers se tornan leones y monetes.

“El 11 de Del Bosque”

De esta etapa hay unos cuantos juegos. Beast Wars (1998) Está desarrollado por Takara y adaptado por Hasbro para occidente, apareciendo en Playstation y PC. Este shooter en tercera persona es bastante majo para su época, estando formado su desarrollo por pequeñas misiones independientes que podremos cumplir eligiendo a cualquiera de los dos bandos, pudiendo controlar a una decena de personajes en total. Eso sí, no ha envejecido demasiado bien, y ponerse a jugar con él a estas alturas produce las mismas sensaciones mirar el escaparate de una ortopedia.

Beast Wars tuvo bastante éxito, emitiéndose 52 capítulos divididos en tres temporadas. Las correspondientes líneas de juguetes hicieron acto de presencia, pero a los niños no les acababa de molar que sus robots se transformaran en animalitos, por lo que a partir de la tercera temporada apareció el concepto Transmetal, de forma que los transformers que menos vendían se transformaban en versiones mecánicas de los animales que en un principio representaban. Lo complicado del asunto era crear argumentos interesantes que acompañaran al ir y venir de los protagonistas según las exigencias del mercado, y en este caso lo consiguieron.

Su continuación no se hizo esperar y se empezó a trabajar en Beast Machines, que se emitiría a mediados del 2000, pero los japoneses volvieron a meter bulla como exacerbados consumistas que son. Así que mientras se esperaba la continuación de la serie, crearon la suya propia, llamada Beast Wars Neo, en la que volvieron a la animación tradicional, que sale más barato. Argumentos de parvulario y robots con forma de conejo, mapache o jirafa (todo ello verídico), hicieron de este zoológico electrónico una serie infumable, pero de la que salió un juego.

Duel! Beast Wars: Beast Warrior Sgrongest Decisive Battle (1998) (Argh!) era un juego de lucha para Game Boy Color que no tendría la mayor repercusión si no fuera por el juego que vino después. Beast Wars Metals (1999) para Playstation y Nintendo 64 era un juego de lucha bastante apañado, con un montón de movimientos y posibilidades de juego, así como un total de 12 personajes. Además, la versión de Nintendo 64 podía conectarse al juego de Game Boy haciendo uso del Transfer Pack y utilizar a otros tantos personajes exportados del mismo.

Las nuevas series:

Antes de pasar mencionar por encima las insulsas series japonesas que se crearon a partir del 2000, hay que comentar un par de juegos. Uno de ellos es Dream Mix TV World Fighters (2003) para Gamecube y Playstation 2, cuyo planteamiento es el de un descarado clon de los Super Smash Bros pero utilizando un imposible popurrí de personajes y licencias Hudson, Konami y Takara. Así, entre otros podremos encontrar como seleccionables a Simon Belmont, Snake, un Bomberman, una de las naves del Twin Bee o al prota de la serie esa de las peonzas, Bayblade, pero lo que nos interesa es que también hacen acto de presencia Optimus Prime y Megatron en sus encarnaciones clásicas.

“Esto sí que es un dream match y no lo del King of fighters 98″

El otro juego a reseñar tiene mucha más miga. Transformers Tatakai (2003) para Playstation 2 se ambienta en G1, siendo la primera vez que se veía un juego en 3d con los personajes clásicos. El juego es un Beat’em up en el que controlamos a tres personajes de uno de los bandos mientras nos damos de torrijas con los enemigos. Los transfans se pusieron palotísimos con él al aparecer un montón de gente. Constructicons, Insecticons, Dinobots. ¡Si hasta sale Astrotrain, el muñeco más feo de todas las líneas de juguetes de la franquicia! La única pega es que está en japonés, no así los menús, por lo que se puede jugar sin problemas al ser su desarrollo en plan patapum parriba, como decía Clemente.

Volviendo al recuento de series, a partir del final de Beast Wars la calidad de las producciones cayó en picado, siendo cada una de ellas más de lo mismo pero con diseños diferentes para lanzar nuevas líneas de juguetes. En 2001 apareció Transformers: Robots in Disguise, en 2002 Transformers Armada, en 2004 Transformers Energon y en 2005 Transformers Cybertron, conformando estas tres últimas la llamada “trilogía de Unicron”. Se toman conceptos de aquí y allá y se reciclan una y otra vez con el toque inocentón japonés, por lo que personalmente me olvidé de la franquicia a partir de entonces al haberse tornado la cosa un capítulo de Pocoyó.

Todas estas etapas tan solo dieron pie a la salida de un juego. En Transformers Armada (2004) la cosa gira en torno a una nueva facción de transformers llamada minicons, que como su nombre indica, son robots pequeñicos que al acoplarse a uno grande le otorga más poder y talicual. Otra vez estamos ante un shooter en tercera persona como el primer Beast Wars, solo que ahora las misiones tienen mucha más extensión y el desarrollo es más variado. Tan solo podremos controlar a tres autobots, Optimus Prime, Red Alert y Hot Shot, pero las diferencias entre ellos y la variedad de sitios y acciones a realizar hacen de este juego uno de los más fresquitos de la franquicia, cosa no demasiado complicada dados los antecedentes.

“¡No me siento las tuercas!”

En última instancia y volviendo a la palestra gracias a las películas, se creó la última serie de animación hasta la fecha, Transformers Animated, de la que muchos reniegan por culpa estilo empleado a lo Cartoon Network pero que sin duda es mucho mejor que todas las de los últimos años gracias a un montón de guiños y homenajes. Transformers Animated: The Game (2008) apareció tan solo para Nintendo DS, siendo su desarrollo un calco al Lost Vikings donde manejamos a Optimus Prime, BumbleBee y Prawl, todo ello sazonado con algunas misiones de conducción. Bastante chulo, el típico juego tapadillo para portátiles.

“Transformers meets Ben 10″

La película:

Entramos en terreno fangoso. Personalmente, me lo pasé muy bien viendo ambas películas, lo cual no es sinónimo de que sean buenas obras, pero en este caso la imparcialidad es muy complicada ya que se tocan una serie de iconos de primera línea. Se vuelve a hacer una revisión de los conceptos básicos de las series añadiendo un toque de barniz a todos los diseños y metiendo a Megan Fox corriendo de un lado para otro et voilá, aquí está la sinopsis más escueta que se me ocurre.

¿Eso es Bumblebee o el carrito de un chatarrero?

Ambas partes trajeron consigo videojuegos para todas las plataformas, pero obviando las versiones portátiles, tanto Transformers: The game (2007) como Transformers: La venganza de los caídos (2009) son fruto de la sandboxpotation, término que acabo de acuñar para referirme a todos esos juegos que explotan el desarrollo planteado por la saga GTA. Títulos sin carisma alguna con la única curiosidad de que crean una especie de universo expandido del visto en las película, por lo que podemos interactuar con muchos transformers que no aparecen en los films. El único problema es que precisamente, al igual que los libros que expanden el universo Star Wars, pisan argumentos canónicos. Véase cómo en el juego de la primera película aparece Soundwave con un diseño totalmente diferente al que tiene en la segunda película, donde es una especie de satélite comunicaciones, pero no entremos en debates pajeros, que me sube la bilirrubina cuando me pongo técnico.

La guerra continúa…

Y hasta aquí llegamos, con Transformers: La guerra por Cybertron recién salido y la etiqueta de mediocre asignada injustamente por culpa del historial de poco éxito que acabamos de recorrer, pero nada más lejos de la realidad. Gracias a las películas estamos de nuevo inmersos en un revival que ha vuelto a poner a la franquicia en primera línea y salen constantemente nuevos productos relacionados. Sin ir más lejos, hace poquitos meses ha aparecido Transformers Awakening para IPod e IPhone, que sigue un interesante planteamiento de combates estratégicos que recuerdan irremediablemente a los Robot Taisen.

Con La guerra por Cybertron parece que estamos ante el mejor juego de Transformers hasta ahora, que mezcla con mucho tino el aspecto visual de las películas con los personajes y argumentos de G1, pero su correspondiente escudriñamiento será en unos días, así que stay tuned… Ay, cachis la mar,  no puedo terminar este artículo sin decir eso de “¡Uno quedará en pié y el otro caerá!”. Benditos los que sepáis de donde proviene la frase.

En un párrafo del artículo al respecto en el nunca suficientemente amarillo diario 20 minutos, se puede leer lo siguiente: “La policía de Argentina investiga si existe relación entre un macabro juego de Internet que induce a la asfixia y la muerte de ocho adolescentes, que aparentemente se suicidaron.” Indagando un poco más, resulta que esto es así, las autoridades y los correspondientes “cuerpos de investigación en computadores” (leído tal cual) de los países afectados están siguiéndole la pista a una hipotética red oculta de webs que te incitan a que te ahorques, y que tomarán las medidas oportunas dada la peligrosidad de tentar al público  con una propuesta de tal calibre dados los numerosos fallecimientos que han acaecido durante los últimos meses.

¿Estamos gilipollas del todo o qué pasa? Se ve que ya ha perdido fuerza el hecho de culpar a los videojuegos por todos los males del mundo al haberse extendido su uso hacia el mainstream y claro, habiendo ancianitas, papás y mamás jugando con su DS a nadie se le ocurriría tachar de peligroso un negocio que practicamente ya abarca todo el posible espectro del target al que puede dirigirse, más que nada por los abultados beneficios que ello supone.

La matanza de Columbine queda ya bastante lejos, el nuevo medio que se le escapa de las manos a la prensa y a los padres preocupados es internet, y es bien sabido que ante el desconocimiento impera el rechazo, aún cuando el meollo de la cuestión radica en saber dar un buen uso de él más que el riesgo de que alguien vea algo y tome sus propias conclusiones. Es lo de siempre, no por ver La naranja mecánica se me ocurriría construirme un taburete de forma fálica para mi salón. Quiero decir, el problema no está en que tengamos a nuestro alcance toda un mundo de depravación, sino las luces que tengamos a la hora de aprovecharnos del medio. Cuando era un chaval sabía perfectamente que no era nada seguro hablar con desconocidos, que existían ciertas barriadas y calles más peligrosas que otras o que hacer el ganso con mecheros y petardos podía acabar montando la marimorena.

¿Tu hija le enseña la hormigonera a un señor que no conoce vía webcam? ¿Tu chaval ha dejado medio comatoso a un compañero de clase a base de puntapiés sin mayor excusa que la de echar el rato en el recreo? No se preocupe, siempre tendrá la red de redes para cobijarse ante las carencias de una educación descuidada en un entorno insano para sus niños. Ahora les ha dado por ahorcarse de broma, tal vez dentro de poco hagan como el vídeo del chimpancé que vi el otro día y se pongan a meterle la churra por la boca a un sapo, pillando la gonorrana o algo así, pero siempre tendremos a alguien a quien echarle las culpas.

De chavalín, en mi barrio las tardes se pasaban jugando al fútbol. Todos los amigachos de la zona pasaban sus horas muertas echando limis, relojes, torneos de puerta a puerta o liguillas, y el que no participaba en dichos eventos era tachado inevitablemente de despojo social y era fruto de burlas y escarnios. A mí nunca me atrajo el fútbol, pero aun en estas espartanas situaciones, los principios científicos y evolutivos de la adaptación al medio eran y son fundamentales para tener mínimas posibilidades de supervivencia en el hostil ambiente que es la calle para un niño. Por ello, y aunque mis aptitudes dando zurriagazos eran bastante escasas, nunca negué estas practicas que iban desde dedicar largas sesiones a las diferentes especialidades futbolísticas antes mencionadas hasta rellenar la liga fantástica del Marca. Gracias a todo esto pude hacerme con una acomodada posición en el status social de mi círculo, de forma que podía preservar mis verdaderas aficiones sin ser tachado de inadaptado nerd, aún cuando la moda de los anglicismos tecnológicos no estaba en boga. Y está claro, esas preferencias me acercaban más a pasar las horas muertas jugando al Retaliator y al Titus the fox que dejarme las rodillas en el albero cual toro bravo.

Aun así, nunca oculté mi predilección por estos menesteres y entablé abiertas amistades con varios muchachos que ya habían sido marcados por esta especie de apartheid futbolístico. Gabi era uno de ellos. Con sus gafas y su talante menudito estaba físicamente predispuesto a que le tacharan de “no apto” para la sociedad. Junto a él, descubrí gran parte de las aventuras gráficas de Lucas Arts, que nos pasábamos una tras otra y nos ayudábamos cuando alguno se quedaba atascado. Muchas tardes, mientras yo me encontraba dando balonazos con mis compañeros de juego, aparecía él con sus cajillas de diskettes debajo del brazo buscándome para compartir el último título que había descubierto. El simple hecho de abandonar el terreno de juego ya suponía una sanción social en forma de rajadas y acusaciones, pero estaba bastante claro, prefería largarme con él. Muchas veces nos sentábamos por ahí en el barrio para hablar de nuestro hobby los pocos que lo compartíamos, pero claro, siempre asomaba la nariz alguna criatura que tenía que proclamar su superioridad como promotor del ocio mayoritario en detrimento de esa movida para inadaptados que eran los jueguecitos. Y quien dice jueguecitos dice cualquier otra vertiente ociosa.

Es la historia de siempre, burlarse de lo que uno no entiende por el mero hecho de no ser de dominio público. Ha pasado toda la vida. En los 70 Dungeons & Dragons fue tachado de juego satánico practicado por jóvenes desviados en las buhardillas de sus casas, en los 80 el Heavy Metal era la fuente del mal, y en los 90 le tocó a los videojuegos, siendo un claro ejemplo algo de lo que por aquí ya se ha hablado, el efecto Mortal Kombat y las movidas con el senado y la creación del ESRB. Eso sí, una vez pasada la tormenta y visto que cada vez más y más gente se divertía con su ordenador, juego de mesa o grupo de música, el velo se destapaba y la sociedad acababa olvidando que pocos años antes tan solo les faltaba ponerse capirotes y capuchas blancas.

Tampoco me voy a poner en plan defensor del pueblo, pues algunas cosas se tergiversan hasta niveles contraproducentes. Hace poco fue el día del orgullo friki. Y digo yo, ¿por qué coño hay que promover la diversidad cultural como algo distintivo de las personas? ¿Qué pasa, que hay que jactarse de lo guay y alternativo que es uno como un rasgo diferenciador? Sí, seguro que mejorará cualquier subcultura de cara a la galería si sale en la tele un teenager de obesidad mórbida llevando unas mallas y una espada de cartón de dos metros. Creo que el anime y la cultura japonesa es una cosa que ya no tiene remedio en nuestro país, pero al menos los videojuegos no corrieron esa suerte. Demos gracias a Nintendo y su “it prints money”. Seguramente el conocido al que le dio la risita porque estábamos viendo Evangelion en casa de mi colega lleve toda la vida viendo al chaval que salió por la tele vestido de un Sephirot de 132kg, pero eso no es óbice para que cualquier manifestación artística salida de Japón sea motivo de burla y sentenciado.

Seguramente, este individuo en tiempos  se cachondearía  de aquellos mozos de su barrio que preferían a Guybrush Threepwood más que a Romario de Souza Faria, aunque años más tarde se comprara una PSX para jugar al Fifa. Una apabullante moraleja, lástima que esto último tan solo sean divagaciones mías para darme un refrescante baño de autocomplacencia.

Hace poco, tras más de una década sin saber de él, encontré a mi amigo Gabi en algunas redes sociales. La vida le va bastante bien. Seguro que en parte, por haber hecho lo que él realmente quería en vez de seguir a la mayoría.

Esa actitud hace que al ver las cosas desde fuera se pueda vislumbrar la subnormalidad inherente a los medios y rutinas que lo rodean. Estanterías con juegos sin desprecintar, títulos lanzados cual llegada del mesías que a los tres meses no los recuerda ni su padre o sinsentidos en forma de debates en foros y blogs sobre temas a la altura de analizar la repercusión sociocultural del último baile de la Esteban deberían ejercer de sonora bofetada a aquellos que lo necesiten.

Como digo, todo todito se desvirtúa, incluso este sacrosanto lugar. Hago scroll hacia abajo en el blog y los últimos posts me hacen recordar aquellas palabras de ira de Matías Prats jr. No se puede aparentar ser lo que uno no es, y este mundillo de notas de prensa o bajadas de pantalones por un par de míseras bundle copies me viene bastante largo. Es por ello que todo va a volver a sus fueros, a lo que inicialmente era Yocreoqueno, un sitio en el que hablar de lo que me salga de los nísperos, sin concesiones ni dependencias. Un sitio en el que gracias al desinterés hacia la actualidad (que no indiferencia) pude conocer a toda la gente maja que por aquí se asoma y con los que en muchos casos he fraguado buenas amistades, donde muchos le pusieron al blog la mejor coletilla que se le puede poner, diferente.

En resumen, que aquí estoy de vuelta.

Para los ajenos, Blur es el último título de Bizarre Creations, donde aunque de fachada pueda parecer un juego de coches del montón, la cosa tiene miga al incluir en las carreras la posibilidad de coger items y power ups, dando un regustillo old school, un flow, y un gromenawer que quita el sentío. Además, siendo los artífices de la saga Project Gotham Racing qué menos que otorgarles el beneficio de la duda. Aquí va un poquito de gameplay fresquito para que os pique el gusanillo. Nos vemos en la beta.